Son los años de la Segunda Guerra Mundial, en Buenos Aires. Ballin Mundson (George Macready) está al frente de un casino, y su hombre de confianza es un jugador llamado Johnny Farrell (Glenn Ford),
al que Mundson ha sacado de un aprieto. Un día, a la vuelta de un viaje, Mundson se presenta en su casa con una atractiva mujer llamada Gilda (Rita Hayworth),
y enseguida se establece una tirantísima relación entre Johnny y ella, una profunda mezcla de amor y odio que marcará la vida de los tres protagonistas.
Una de las grandes películas de la historia del cine, con una apoteósica Rita Hayworth, que hace honor a al reclamo del film:
"Nunca hubo una mujer como Gilda". Se trata de una genuina historia de cine negro, narrada con una tremenda fuerza.
La escena en la que interpreta "Put the Blame on Mame", en la que se quita un guante, es una de las más famosas de la historia del cine,
y el bailecito de "Amado mío" no le va a la zaga. Y, en fin, la sonora bofetada posterior que le propina un severo Glenn Ford no es menos célebre. Un drama pasional lleno de intriga, con una fantástica ambientación.
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Glenn Ford recibió el premio Donosti del Festival de cine de San Sebastián en 1987 y eligió que de entre todas sus películas se proyectara Gilda para el homenaje.
No podía contener las lágrimas cada vez que Rita Hayworth aparecía en la pantalla.
Margarita Carmen Cansino (Nueva York, 17 de octubre de 1918 — Nueva York, 14 de mayo de 1987), mejor conocida por su nombre artístico de Rita Hayworth, fue una de las actrices más emblemáticas de la época dorada del cine estadounidense.
Además de ser símbolo sexual indiscutible de la década de 1940, es considerada como una de las grandes estrellas del Séptimo Arte.
Hija del bailarín Eduardo Cansino, natural de Castilleja de la Cuesta (Sevilla, España), y de Volga Hayworth, una bailarina de los Ziegfeld Follies, de origen irlandés e inglés. Rita empezó su carrera como bailarina junto a su padre, con su nombre real, a la temprana edad de 13 años.
Llegó a Hollywood en 1933 como miembro del Spanish Ballet y pudo empezar a filmar gracias a la ayuda del eximio compositor José Iturbí y a las influencias del diplomático español en Estados Unidos, Lázaro Bartolomé y López de Queralt.
Desde 1935 participó como actriz en papeles secundarios, realizando muchas películas de serie B en las que sobre todo destacó por sus dotes para la danza y por su elegante aspecto.
De esta etapa destaca la película Charlie Chan en Egipto (1937), de Louis King, película perteneciente a la saga dedicada al célebre detective oriental, en la que trabajó junto a Warner Oland, que encarnaba a Chan.
Fue su marido, por aquel entonces Edward Judson, quien la lanzó al estrellato, convirtiéndola en su mejor inversión personal. Judson le consiguió un contrato con Columbia Pictures,
productora que necesitaba de estrellas importantes y a quien la actriz acabaría colocando entre las primeras compañías cinematográficas,
reportándole a la empresa millonarios ingresos sólo con su presencia. «Rita Hayworth es la Columbia», dijo Frank Sinatra. Para entonces, Harry Cohn, magnate de la productora, se enamoró de ella.
La presión y las disputas por este motivo entre la actriz y el productor, darían mucho que hablar entre los profesionales de la industria, y él estuvo toda la vida obsesionado con ella, quien no respondió nunca a sus requerimientos amorosos.
Rita Hayworth en Sangre y arena.Su primer papel importante fue como actriz secundaria en la película: Sólo los ángeles tienen alas (1939), de Howard Hawks, lo que hizo que la crítica cinematográfica se empezara a fijar en ella.
Ella poseía una personalidad tímida y bondadosa, que contrastaba con su fuerza y enorme impacto en la pantalla; en este film, compartió cartel con Cary Grant, Jean Arthur y Thomas Mitchell.
Luego rodó una comedia junto a Brian Aherne: Una dama en cuestión (1940), de Charles Vidor.
Rita ingresó triunfante en la Twenty Century Fox (compañía que años atrás la había rechazado), reclamada por el director Rouben Mamoulian, para interpretar a Doña Sol en la superproducción basada en la novela de Vicente Blasco Ibáñez, Sangre y arena (1941),
junto a Tyrone Power y Linda Darnell. Esta película significó su lanzamiento como sex symbol indiscutible durante toda una década. Su carrera la convirtió en una de las grandes estrellas de su época y en la actriz mejor pagada del cine.
Luego intervino en dos comedias musicales de amplio eco popular, junto a Fred Astaire: Desde aquel beso (1941), de Sidney Lamfield, y Bailando nace el amor (1942), de William A. Seiter. Estos éxitos y su talento la llevaron a protagonizar un musical ya clásico
Las modelos (1944), de Charles Vidor, junto a Gene Kelly y Phil Silvers, filme innovador en su día, al trasladar los números de baile de salón a ambientaciones callejeras.
En esa época rodó The Strawberry Blonde (1941), de Raoul Walsh, junto a James Cagney y Olivia de Havilland; Mi mujer favorita (1942), de Irving Cummings una cinta de corte biográfico junto a Victor Mature y Carole Landis; y Esta noche y todas las noches (1945), de Victor Saville, un musical que fluctúa entre la comedia y el drama de tono menor, junto a Lee Bowman y Janet Blair
No obstante, su fama como mito erótico se consolidó con Gilda (1946), de Charles Vidor, una de las grandes películas del cine negro, en la que con una sugerente interpretación musical ("Put the blame on mame"), y la recepción de una bofetada consiguió récords de taquilla en todo el mundo.
Dicha bofetada se convertiría en la más famosa de la historia del cine estadounidense, y fue propinada por su pareja en el film, Glenn Ford, en respuesta a la que Hayworth le había dado momentos antes.
La película fue un escándalo, y en países como España fue considerada "gravemente peligrosa" por la Iglesia Católica, debido a la famosa escena musical donde se quita un guante. Esta película la hizo inmensamente famosa, hasta el punto de que se colocó su imagen en la bomba atómica de pruebas arrojada por Estados Unidos sobre las Islas Bikini.
Dado el carácter pacifista de la actriz, este hecho la indignó profundamente. También ocasionó una histérica expedición a la Cordillera de los Andes, a fin de enterrar allí una copia de la película, para que se conservase en caso de un desastre nuclear.
Este momento de fama internacional también coincide con una de sus crisis en lo personal: su matrimonio con el príncipe Ali Khan entró en crisis, y ella declaró a la prensa una frase que se haría célebre: «Todos los hombres que conozco se acuestan con Gilda, pero se levantan conmigo».
La suerte profesional parece ir en racha, y en 1947 rueda junto a su nuevo marido, el director Orson Welles, un filme que fue en su día maldito, pero que resultó de enorme trascendencia: La dama de Shanghai.
La película no tuvo mucho éxito comercial porque Welles le cortó el pelo, la tiñó de rubio platino, le dio un papel de arpía y la mató al final de la película, cosa que no gustó mucho a su público. Sin embargo, forma parte de la mitología del cine por su narrativa, estilística y ritmo, y Rita Hayworth declaró años después que «sabía que estábamos haciendo un clásico mientras la rodábamos».
Otros títulos destacados de su filmografía son Los amores de Carmen (1948) y La dama de Trinidad (1952), que no lograron reeditar el éxito de Gilda, pese a repetir pareja protagonista con Glenn Ford (para el escritor y cinéfilo Terenci Moix, Rita fue la mejor 'Carmen' del cine); Salomé (1953), de William Dieterle, recreando la historia bíblica, junto a Stewart Granger y Charles Laughton; La bella del Pacífico (1953), de Curtis Bernhardt,
nueva versión de un clásico de William Somerset Maugham ya adaptado para el cine en la década de 1920; Pal Joey (1957), que fue su último musical, rotundo triunfo de la actriz en su madurez física e interpretativa,
que incluye un número que ha pasado a la historia del género; Fuego escondido (1957), de Robert Parrish, junto a Robert Mitchum y Jack Lemmon; y Mesas separadas (1958), de Delbert Mann, junto a Burt Lancaster, Deborah Kerr, Wendy Hiller y David Niven.
Rita nunca fue nominada a los premios Oscar, pero asistió a la 36ª ceremonia de dichos premios, para entregar el premio a la mejor dirección en 1964, antes de que en esa década empezara a tener problemas de memoria.
Durante la década de 1960 y principios de la de 1970 trabajó en producciones modestas, de serie B, y en algunas coproducciones europeas, mostrando su declive físico e intelectual, ya que comenzaba a mostrar síntomas de la Enfermedad de Alzheimer, que le impedía memorizar bien los guiones.
En este ínterin se retiró a Argentina unos años, más especificamente a la ciudad de Puerto Madryn, la cual le había sido recomendada por el aire marítimo y el clima patagónico.
Éste se consideraba en aquellas épocas beneficioso para detener el avance de la enfermedad mental que la acosaba.
De esta última etapa destacan tres títulos: El fabuloso mundo del circo (1964) de Henry Hathaway, junto a John Wayne y Claudia Cardinale; El aventurero (1967), de Terence Young, junto a Anthony Quinn; y La ira de Dios (1972), de Ralph Nelson), que fue su última interpretación en la gran pantalla.
Rita Hayworth cayó en un semicoma en febrero de 1987. Murió unos meses más tarde, el 14 de mayo de 1987, a los 68 años de edad a causa de la enfermedad de Alzheimer en su apartamento de Manhattan.
La heredera es una película de 1949 dirigida por William Wyler , La película es una adaptación de la famosa novela de Henry James, ambientada en el Nueva York de mediados del siglo XIX.
Es la historia de una joven rica que vive bajo la sombra del recuerdo de su madre muerta, una mujer admirada por su elegancia y hermosura.
Ella nunca ha podido compararse con la madre ni en belleza ni en destreza. Sus propios atributos: inteligencia, dedicación,
bondad y afabilidad, no han sido suficientes para ganarse el aprecio y la aprobación del padre que ella adora y respeta.
Su único consuelo y apoyo es su tía, una viuda alegre, quien parece aceptarla tal y como es.
La heredera vive conforme sabiendo que no es merecedora de la admiración de nadie hasta que en una fiesta conoce a un hombre maravilloso,
apuesto, compresivo y con una sensibilidad extrema capaz de descubrir en la heredera lo que nadie ha visto jamás: su belleza.
El amor surge y lo cambia todo, pero la felicidad no dura. El padre se opone a la relación tratando de hacerle ver que ella no
es digna de inspirar amor en ningún hombre porque le falta lo que a su madre le sobraba: porte y belleza.
La heredera lucha para que el padre no arruine su felicidad y decide huir con su amado renunciando a su fortuna, pero él se niega.
Ella descubre que su padre tenia razón: él sólo deseaba su dinero. Su tía le aconseja que no sea tonta que a pesar de todo se case con él, pues vale la pena tener a un hombre que la apoye aunque sea por dinero. El amor tiene un precio y hay que pagar.
Decepcionada, la heredera pierde toda ilusión y llena de dolor deja que la amargura, el odio y la sed de venganza llenen su corazón.
“La heredera” nos recuerda, quizás, la necesidad de perdonar los errores de los demás, de evitar que nos invada la intransigencia,
que no conducen a hacernos más felices sino, al contrario, a atormentarnos y agriar nuestro modo de ser y ver el mundo.
La escalera que va subiendo Catherine es -en realidad- un camino hacia la derrota, el abandono y a no reconocer la capacidad de equivocarnos, guardando las formas en lugar de perdonar las debilidades humanas, que conducen a la felicidad,
aunque sea durante un tiempo fugaz, muy corto, lo que tardamos en subir cada uno de los peldaños de nuestra vida,
hasta que la luz de la lámpara se apaga, sin que nos tenga que importar haber llegado arriba sin haber tropezado…
La heredera fue ganadora de 4 Oscar —mejor actriz (Olivia de Havilland), mejor dirección artística,
mejor vestuario y mejor banda sonora drama— así como candidata a 4 más —mejor película, mejor director, mejor actor secundario (Ralph Richardson)— y mejor dirección artística en blanco y negro
El tercer hombre es una película del Reino Unido del año 1949 dirigida por Carol Reed, escrita por Graham Greene y protagonizada
por Joseph Cotten y Orson Welles. Se considera como la mejor obra fílmica británica de la historia
Es 1947 y Viena todavía se está recuperando de los estragos sufridos durante la Segunda Guerra Mundial.
La capital austríaca se sostiene en pie a duras penas, gestionada por las cuatro potencias extranjeras que cimentaron la victoria aliada: Estados Unidos, Inglaterra, Francia y Rusia.
La gente sigue caminando por las calles con premura, como esperando que en cualquier momento las bombas vuelvan a caer sobre sus cabezas.
No es fácil olvidar el horror mientras decenas de edificios siguen en ruinas. Además, la escasez de alimentos y medicinas ha hecho florecer un mercado negro
en el que los más astutos timan a los pobres que no tienen ni un mendrugo de pan que llevarse a la boca.Éste es el panorama que se encuentra Holly Martins (Joseph Cotten) cuando llega a Viena.Martins es un escritor estadou-nidense con cierto talento para las novelas
del Oeste, una profesión por la que nunca será respetado y que tampoco le permitirá retirarse en su vejez.
Por eso, cuando su amigo Harry Lime (Orson Welles) le propone que se mude a Viena con la promesa de un buen trabajo para él, Martins decide cruzar el charco y afincarse en el corazón de Europa.
Podéis imaginaros su sorpresa cuando, al llegar a su destino, se entera de que Lime ha sido atropellado por un camión; lo único que puede hacer es darle el último adiós en su funeral.
Martins decide entonces regresar a Estados Unidos, pero antes de coger el avión se entera de algunas cosas que le hacen sospechar que la muerte de Lime no fue un accidente.
Sobre todo le interesa descubrir la identidad del tercer hombre que recogió su cadáver del asfalto, ya que sólo los otros dos porteadores fueron identificados.
Pese a los impedimentos del mayor Calloway (Trevor Howard), de la última novia de Lime, Anna Schmidt (Alida Valli), y de los personajes
que en algún momento formaron parte de la vida de Harry, Martins va reuniendo poco a poco las piezas de ese macabro puzzle que tiene como telón de fondo las tristes e inquietantes calles de Viena.
Hay que recalcar que la autoría de la historia corresponde a Graham Greene, el escritor de ‘El cuervo’,
‘El americano impasible’, ‘Nuestro hombre en La Habana’ o ‘El ídolo caído’. También aquí se ocupa del guión adaptado de ‘El tercer hombre’.
Aunque en ciertos momentos el interés pueda decaer por lo enrevesado de la trama, enseguida se recupera
la tensión gracias al buen hacer de los actores protagonistas y al in crescendo general de la película,
del que tiene mucha culpa el director de fotografía, Robert Krasker (ganador del Oscar). Otro aspecto que no pasa de largo para cualquier cinéfilo es la banda sonora de Anton Karas, compuesta enteramente por las cuerdas de su cítara.
Y también es justo destacar a esos personajes secundarios que dan aún más negrura al film: los extraños amigos de Harry (el barón Kurtz, el rumano Popescu, el doctor Winkel),
el vendedor de globos, el portero o la vecina de Anna. Sin duda, todos ellos forman un sugerente escaparate de lo grotesco.
Pero si hay cuatro escenas que quedarán para siempre en nuestras retinas, esas son: la sombría aparición de Orson Welles (¡pedazo de actuación la suya!),
con el gato enroscado a sus pies; la tensa conversación en la noria del parque de atracciones; la larga persecución por las cloacas de Viena; y el plano final -lamento revelarlo,
pero no puedo resistirme- en el que Anna Schmidt camina con paso firme, haciendo caso omiso del humo adulador que desprende el cigarro de Martins.
Fue rodada en London Film Studios (Shepperton, Inglaterra). Los exteriores se rodaron en Austria.
El film fue galardonado con el Gran Premio del Festival de Cannes. Recibió asimismo el Óscar a la mejor fotografía en blanco y negro (Robert Krasker), y estuvo nominado en las categorías de mejor director (Sir Carol Reed) y mejor montaje (Oswald Hafenrichter).
Inolvidable banda sonora firmada por Anton Karas.También es de destacar la fotografía en blanco y negro y los exteriores seleccionados, que muestran diversas facetas de la ciudad de Viena,
como la archiconocida noria gigante del Prater (donde tiene lugar el encuentro entre los dos protagonistas masculinos) o las impresionantes cloacas vienesas, marco de la famosa escena de la persecución final.
Johnny Belinda es una película de 1948 basada en la obra homónima de Elmer Blaney Harris.
La película fue adaptada a la pantalla por Allen Vincent e Irma von Cube, y el director Jean Negulesco.
La vida es dura en la granja de Mac Donald en Nueva Escocia y todavía resulta más difícil para Belinda,
una joven sordomuda cuya desgracia se confunde con discapacidad mental. El nuevo médico de la ciudad muestra interés en ayudarla a salir de su silenciosa cárcel.
La acción principal tiene lugar en la isla Cape Breton (Nueva Escocia/Canadá)), a lo largo de unos 2 años (1947/48). Narra la historia de Belinda McDonald (Jane Wyman),
sordomuda por enfermedad infantil, de unos 18 años, que vive y trabaja en la granja de su padre Black (Charles Bickford), al cuidado de su tía Aggie (Agnes Morehead).
La población de pescadores de la isla les profesa escaso aprecio por su actividad como granjeros, atípica en el lugar.
La película focaliza la atención en Belinda, marginada por su discapacidad auditiva, estigmatizada como "la muda" y considerada deficiente mental.
Todo cambia a partir de la llegada del doctor Robert Richardson (Lew Ayres), un hombre que se rige por sus propios principios, que no cree en las supersticiones religiosas del lugar y tiene una mente liberal.
Cuando, por casualidad, conoce a Belinda, siente el impulso de ayudar a aquella muchacha a tener una vida mejor.
Con el beneplácito del padre, sorprendido de que su hija sea capaz de comunicarse con los demás, le enseña el lenguaje de signos.
Los progresos de Belinda son excelentes, pero sufrirá un shock al ser violada por el pendenciero Locky McCormick (Stephen McNally).
Dirigida por Jean Negulesco con guión basado en la obra de teatro de Elmer Harris, Belinda es un melodrama con todas las letras, de los que se ven con el corazón encogido y la emoción a flor de piel.
Es una película sentimental, pero aunque cada escena parezca más dramática que la anterior, detrás hay una historia bien trenzada que no busca la lágrima fácil.
Además, nos ofrece unas interpretaciones soberbias por parte de todos los protagonistas, con la Wyman a la cabeza.
El único pero que le pongo es la escena del juicio, que podría haber sido un poquito más elaborada y tener una conclusión menos evidente.
Mención especial para la banda sonora de Max Steiner. Su composición es sencillamente una obra de arte.
La música ayuda al espectador a meterse en la piel de Belinda, a sentir su soledad, sus miedos y su esperanza de encontrar otra vida.
No hay palabras para calificar el efecto del violín introducido por Steiner cuando Belinda rechaza la copa de brandy que le ofrece el doctor.
Es un pequeño ejemplo del grandísimo talento que poseía el vienés. Y también sería injusto olvidarnos del fotógrafo
Ted D. McCord o del director artístico Robert M. Haas, un habitual del cine negro que presta aquí toda su sabiduría visual.
Jane Wyman (la joven con cara de mujer mayor (como la definió Terenci Moix) ya había llegado a la cima del séptimo arte ganó el Óscar a la mejor actriz por su trabajo en esta película, en 1948.
La película obtuvo doce nominaciones más, entre ellas a mejor guión, mejor director, mejor actor y mejor película.
Award
Result
Winner
Best Motion Picture
Nominated
Warner Bros.(Jerry Wald ,Producer)
Best Director
Nominated
Jean Negulesco
Best Actor
Nominated
Lew Ayres
Best Actress
Won
Jane Wyman
Best Writing, Screenplay
Nominated
/Irma von Cube and Allen Vincent
Best Supporting Actor
Nominated
Charles Bickford
Best Supporting Actress
Nominated
Agnes Moorehead
Best Art Direction-Set Decoration (Black-and-White)
Nominated
Robert Haas and William Wallace
Best Cinematography (Black-and-White)
Nominated
Ted McCord
Best Film Editing
Nominated
David Weisbart
Best Music (Music Score of a Dramatic or Comedy Picture)
Ladri di biciclette (Ladrón de bicicletas) es una película italiana dirigida por Vittorio de Sica en 1948
y se considera una de las películas emblemáticas del neorrealismo italiano. En 1970 fue votada una de las 10 mejores películas de la historia del cine.
Los actores que intervienen no son profesionales. Aunque la búsqueda de las personas que interpretarían los personajes fue dura.
Un detalle gracioso de la búsqueda del niño, fue que De Sica, tras haber visto cantidad de niños,
se decantó por éste debido a su forma de andar. Es más, la prueba de selección de los niños se reducía a verlos caminar.
Otro rasgo significativo es que todas las angulaciones de cámara están en función de lo que se quiere transmitir.
Como por ejemplo la secuencia en la que con un picado se ve toda la calle mostrándonos la muchedumbre entre la que se pierde el ladrón y la impotencia del trabajador.
El ladrón de bicicletas sitúa la historia en la Italia de la posguerra donde el trabajo escasea y obtenerlo es un éxito excepcional.
El protagonista de la historia tiene la fortuna de conseguir trabajo pegando carteles por la ciudad pero para poder
realizarlo necesita una bicicleta, el problema es que su bicicleta está empeñada, por lo que su primera tarea será recuperarla.
Una vez montado en su bicicleta comienza a trabajar pero el drama estriba en que no transcurre ni un día de trabajo cuando le roban la bicicleta y con ella su futuro.
Desde ese momento y hasta el final de la película la historia se enfocará en narrar los dos días en que el protagonista,acompañado
de su hijo y algunos amigos, buscarán infructuosamente recuperar la bicicleta robada.Sencillamente soberbia.
Película que desborda realismo en todo su metraje. Para lograr este realismo De Sica renunció a que fuera protagonizada por actores famosos.
Muchos productores intentaron imponerle algún actor, como por ejemplo Cary Grant, pero De Sica
quería una película con actores desconocidos que lograran dar a la película una mayor verosimilitud. Y lo logró.
1949: Nominada al Oscar: Mejor guión. Premio Honorífico a la Mejor película extranjera
1949: Globo de Oro: Mejor película extranjera
1949: BAFTA: Mejor película
1949: 6 premios del Sindicato Nacional de periodistas italianos, incluyendo, película, director
1949: 2 premios National Board of Review: Mejor película, director
1949: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera
Viena, año 1900. El famoso pianista Stefan Brand se prepara para partir de la ciudad con el fin de evitar batirse en duelo.
Justo antes de dejar su estudio, recibirá la carta de una mujer cuya identidad en principio no reconoce.
Sin embargo, ella sigue apasionadamente enamorada de aquel joven músico que conoció cuando era todavía una adolescente
Al leer la carta, se acordará de Lisa, aquella muchacha con la que compartió momentos fugaces en sus días de joven músico.
«Cuando leas esta carta, puede que haya muerto...Si esta carta llega a tus manos, verás como fui tuya sin que tú siquiera supieses que existía.»
Estas míticas líneas, la espita del gas que ponía fin a una eterna historia de amor no correspondido, abrían uno de los flash-backs
más dolorosos de la historia del cine, cerrando al mismo tiempo una de las historias más condenadamente románticas que se hayan rodado nunca.
Carta de una desconocida está basada en una novela de Stefan Zweig, uno de los escritores más populares de la primera mitad del siglo XX.
El guión de Howard Koch es absolutamente fiel al espíritu y letra de la obra de Zweig, llegando a calcar en ocasiones algunos diálogos,
aunque el guionista tuvo que acomodar su libreto a las exigencias del Hollywood de los 40, en el que no se hubieran acogido de buen grado todas las aristas de un personaje como Lisa.
Por otra parte, Stefan Brand deja de ser el reconocido escritor de la novela para convertirse en un pianista de éxito.
Fue precisamente Koch quien sugirió el nombre de Ophüls para dirigir la película, porque tanto su fondo como su forma encajaban como un guante en el universo estilístico del director alemán.
De hecho, no se podría imaginar mejor fondo para las descarnadas historias de amor de Ophüls que las calles de Viena, con su atmósfera melancólica y dulce.
Como algunas de las producciones de la etapa francesa del director, Carta de una desconocida está dividida en tres grandes episodios, cada uno de ellos correspondiente a un momento vital de Lisa.
Lisa es interpretada de manera inolvidable por Joan Fontaine, una chica frágil, que se ve abocada de manera irremediable al intenso y apasionado amor que siente hacia un frio y despreocupado Stefan (elegante y comedido Louis Jordan)
"Sin duda, uno de los dramas más intensos y apasionados que ha dado la historia del séptimo arte. Maravillosa historia de amores olvidados" (Fernando Morales: Diario El País)
Elizabeth Taylor deja 64 películas y dos Oscar a la mejor actriz por 'Una Mujer Marcada' (1960) y '¿Quién teme a Virginia Woolf' (1966). Nacida en febrero de 1932 en Londres de padres estadounidenses aunque residente en Estados Unidos desde su infancia, 'Liz' Taylor fue una de las "mejores estrellas femeninas de todos los tiempos", tal y como la nombró el American Film Institute.
Dama en el cine y en la vida real -la reina Isabel II de Inglaterra la condecoró con el tratamiento de Dame- Taylor ha muerto en el hospital Cedars-Sinai de Los Ángeles rodeada de sus cuatro hijos.
Ganadora de dos Óscar por su papel en Butterfield 8 (1960) y ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966), Elizabeth Rosemond Taylor protagonizó más de 50 películas.
Elizabeth Taylor, cuyo nombre completo es Elizabeth Rosemond Taylor, fue hija de emigrantes estadounidenses en el Reino Unido, con los que regresó a América poco antes de la Segunda Guerra Mundial. Su padre era marchante de arte y su madre una actriz retirada.
Su madre siempre quiso que fuera una estrella, daba igual de lo que fuese, así que desde muy pequeña la llevó a grabar anuncios, cameos en películas, etc.
De ahí que Taylor siempre haya dicho que ella no quiso realizar una carrera como actriz, sino que ésta le fue impuesta.
Tras participar en varias comedias de escasa calidad, se hizo famosa a la edad de 12 años con la película National Velvet (1944), sobre un caballo de carreras, con otras dos estrellas también jóvenes entonces: Mickey Rooney y Angela Lansbury.
Era una estrella ya en la adolescencia; con 14 años rodó El coraje de Lassie, y poco después una versión de Mujercitas. Su siguiente gran éxito sería El padre de la novia (1950), junto a Spencer Tracy y con dirección de Vincente Minnelli.
Elizabeth Taylor en el filme Cat on a Hot Tin Roof (1959).Las perspectivas de la carrera de Taylor mejoraron con sus trabajos en Un lugar en el sol (1951) con Montgomery Clift,
Ivanhoe (1952) con Robert Taylor y Joan Fontaine, y especialmente cuando fue elegida para actuar, junto con James Dean y Rock Hudson, en la película Gigante (1956).
(El fallecimiento de estrellas del mundo del espectáculo genera todo tipo de comentarios. Tristeza de sus seguidores,
homenajes y revelaciones que salen a la luz por parte de conocidos, familiares, ex parejas o, en algunos casos, impostores que intentan tener sus quince minutos de fama.
En este caso fue más que inusual la noticia que trascendió después de la muerte de la actriz Elizabeth Taylor.
Al parecer, la artista habría revelado detalles de la intimidad del actor estadounidense James Dean a un reportero hace 14 años.
Solo le habría pedido una cosa: que lo publicara después de su muerte. Recordemos que Taylor protagonizó la inolvidable cinta "Gigante", junto a Dean y Rock Hudson.
La noticia ya dio la vuelta al mundo Liz quedó muy afectada cuando James Dean murió en un accidente.
"Yo adoraba a Jimmy. Voy a decirle algo, pero es 'off the record' hasta que yo me muera", dijo la actriz al periodista según explica en The Daily Beast.
"Cuando Jimmy tenía 11 años y su madre falleció, el pastor comenzó a abusar de él. Creo que eso le persiguió durante el resto de su vida", apuntó Taylor.
"De hecho, sé que lo hizo. Hablábamos mucho sobre ello. Durante el rodaje de 'Gigantes' pasamos muchas noches despiertos hablando y esa fue una de las cosas que me confesó", agregó Taylor.
Posteriormente fue nominada al Premio Óscar en la categoría de "Mejor actriz", por su trabajo en El árbol de la vida (1957), ambiciosa producción que intentó igualar el éxito de Lo que el viento se llevó.
Protagonizó junto a Paul Newman el drama romántico Cat on a Hot Tin Roof (La gata sobre el tejado de zinc, 1958), filme que recibió críticas positivas de muchas fuentes.
En ella fue Maggie, “la gata”, casada con Brick (Paul Newman) atormentado por su homosexualidad -la censura obligó a suavizar este aspecto respecto a la obra teatral de Tennessee Williams
Su interpretación la hizo acreedora de su segunda nominación al premio Óscar por «Mejor actriz» y su primera candidatura al galardón BAFTA como «Mejor actriz británica».
Durante las décadas de 1950 y 1960 se convirtió en una de las mayores estrellas del firmamento de Hollywood gracias a su presencia en los títulos citados y en otros como Suddenly, Last Summer (De repente el último verano, 1959)
junto a Katharine Hepburn y Montgomery Clift (que le proporcionaría su primer Globo de oro y otra nominación al Óscar). Taylor y Clift mantuvieron una estrecha amistad hasta la muerte del actor en 1966.
Con Una mujer marcada (1960), Elizabeth Taylor se llevaría su primer Óscar a la mejor actriz, alcanzando el récord de cuatro nominaciones en años consecutivos, sólo igualado por Marlon Brando.
Su estatus de estrella quedó reforzado con la película más cara en la historia hasta entonces: Cleopatra (1963). Por esta película, Elizabeth Taylor fue la primera actriz que cobraba la (para entonces astronómica) suma de un millón de dólares.
Sin embargo, varias peripecias la llevaron a superar este récord: los múltiples retrasos y contratiempos del rodaje, y un porcentaje de la taquilla contemplado en su contrato, motivaron que ella terminase cobrando su sueldo multiplicado por siete.
Fue en el rodaje de esta película donde conoció a Richard Burton; iniciaron un romance estando ambos casados, lo que provocó un enorme escándalo.
Elizabeth Taylor interpretando a Cleopatra en la película homónima estrenada en 1963.A finales de la década de 1950, se acentuó su rivalidad con Marilyn Monroe, la otra gran estrella de los estudios Fox, si bien se especializaron en diferentes tipos de personajes.
A partir de mediados de la década de 1960 su participación en el cine va perdiendo pujanza, aunque aún tiene ocasión de intervenir en varias películas de relieve, como La mujer indomable (dirigida por Franco Zeffirelli),
Reflejos en un ojo dorado con Marlon Brando y ¿Quién teme a Virginia Woolf?, de la que se dice es su mejor interpretación, al lado de su marido Richard Burton. Por este trabajo recibió su segundo Óscar a la mejor actriz.
La actriz llevaba dos meses ingresada a causa de una insuficiencia cardíaca congestiva que le había sido diagnosticada en 2004. Los problemas de salud la acompañaron en sus últimos años de vida. Ya en 1997 fue operada de un tumor cerebral.
Aparte de rodar películas como 'Cleopatra' o ser la compañera de James Dean en 'Gigante', Sus ocho matrimonios y divorcios ocuparon las portadas de la mayoría de los medios sensacionalistas del momento.
Adelantada a su tiempo, incluso se ganó las críticas de una gran parte de esa gente que no entiendía por qué una mujer podía casarse y divorciarse las veces que quería.
Pero si hay algo que realmente caracterizó a Taylor, fueron sus labores humanitarias, sobre todo en la lucha contra el SIDA desde la muerte de su amigo Rock Hudson.
Por este último aspecto, sería galardonada con el Premio Príncipe de Asturias de la Concordia en 1992.
Además, ese mismo año participó en el concierto en tributo a Freddie Mercury, hablando acerca de la prevención necesaria para combatir la enfermedad.
A través de la red, Taylor informó en 2009 de una intervención quirúrgica "muy nueva, que implica la reparación de mi válvula defectuosa utilizando un dispositivo de pinza, sin cirugía a corazón abierto para que mi corazón funcione mejor".
Los últimos reveses de la actriz de incluyen sus combates con el cáncer, una traqueotomía, el tratamiento de adicciones al alcohol y a analgésicos y las cirugías del corazón.
Durante su vida, tuvo entre 30 y 40 cirugías, de acuerdo con sus biógrafos. Ninguna pudo con ella. Taylor ha muerto hoy, pero como ocurre con todas las estrellas del cine, su imagen nunca desaparecerá.
Su hijo Michael Wilding, de 58 años, ha recordado a su madre en un comunicado:
"Mi madre era una mujer extraordinaria que vivió la vida al máximo, con gran pasión, el humor y el amor", dijo. "A pesar de su pérdida es devastadora para los que tenía tan cerca y, siempre nos sentiremos inspirados por su contribución al mundo.
Su notable trabajo en el cine, su continuo éxito como empresaria, y su valiente y la defensa implacable en la lucha contra el VIH nos hacen estar muy orgullosos de ella.
Sabemos que, simplemente, el mundo es un lugar mejor porque ella lo habitó. Su legado nunca se desvanecerá, su espíritu siempre estará con nosotros, y su amor vivirá por siempre en nuestros corazones. "
Barbra Streisand, quién ha asegurado que "Es el fin de una era. No sólo por fuera una gran estrella. Sino por su humanitarismo. Puso una cara a la lucha contra el SIDA. Fue divertida y generosa"
Mike Nichols, quien dirigió a Taylor en 1966 en ¿Quién teme a Virginia Woolf? también destaca "Su generosidad. Su enorme sonrisa. Su vitalidad. Ella es única e indeleble en el cine y en nuestros corazones"
Elton John, amigo y compañero activista contra el SIDA: "Hemos perdido a un gigante de Hollywood, y lo que es más importante, hemos perdido un increíble ser humano".
El ex presidente de EEUU Bill Clinton y la secretaria de Estado, Hillary Clinton, lamentaron la muerte de la actriz Elizabeth Taylor y recordaron su compromiso en la lucha contra el sida.
Los Clinton recordaron el "honor" que supuso para ellos recibir a la admirada actriz en la Casa Blanca en 2001, cuando recibió la Presidential Citizens Medal por su "cruzada incesante" para mejorar la investigación sobre el sida y una curación más efectiva de la enfermedad.
“Estoy tan triste al conocer la muerte de esta hermosa amiga. Era una buena persona” ha añadido el actor Michael Caine.
"Elizabeth Taylor era la última de las las grandes estrellas con glamour” ha destacado el realizador Michael Winner. Y ha añadido: “ Su vida ha sido el más largo folletín de la historia. Era la encarnación del encanto y de la tragedia que atrae a la gente hacia Hollywood”
El cantante George Michael ha recordado el apoyo que la actriz, que lanzó su propia fundación contra el SIDA, aportó a la lucha contra este virus. “Hizo mucho durante estos últimos 25 años para ayudar al mundo a encarar la epidemia.
Estoy orgulloso de haberla conocido, aunque sólo fuera un poco” ha escrito el cantanto en la página de micoroblogs Twitter.
“Es un día triste. Elizabeth Taylor era la última de las grandes estrellas de Hollywood y una mujer fantástica y llena de encanto", prosigue Michael que también dice: “Es la única persona que he conocido que tuviera los ojos auténticamente violetas. Tan hermosos”.
Martin Landau, que protagonizó Cleopatra junto a Taylor: "Es una pérdida terrible. Un talento único y una persona singularmente espectacular. "
Tito Jackson, hermano de su gran amigo Michael Jackson: "Elizabeth Taylor era una persona impactante en esta industria y en la sociedad.
Yo admiro especialmente sus esfuerzos de caridad; en particular su lucha contra el SIDA. Lo más memorable es su firme lealtad y la amistad inquebrantable con mi difunto hermano Michael Jackson.
Liz proporcionó una sensación de alivio y consuelo a mi hermano en varios momentos difíciles en su vida, y lo agradezco. "
El senador Chris Dodd, presidente de la Asociación Cinematográfica de Estados Unidos: "Estamos profundamente entristecidos por la pérdida de Elizabeth Taylor.
Su contribución artística a la industria del cine es inconmensurable. En una carrera de más de 70 años y 50 películas, su talento ha soportado la prueba del tiempo.
Ella realmente era un icono americano, cuyo legado va mucho más allá de sus habilidades como actriz, sobre todo en sus esfuerzos para liderar la batalla contra el SIDA.
Nuestros pensamientos están con su familia y sus muchos amigos y admiradores durante estos momentos difíciles"
Madonna : Siento mucho saber que esta leyenda nos ha dejado. la admiraba y respetaba, no sólo como actriz, sino por su fabuloso trabajo y la motivación como un activista contra el SIDA. Ella era única en su clase.
La familia de Taylor ha pedido que, en lugar de enviar flores, quienes quieran honrar a la actriz hagan donativos a la fundación contra el sida que creó en 1991
El joven aventurero Michael O’Hara queda prendado de Elsa al defenderla de unos ladrones. Ella le ofrece un trabajo como mari-nero en el yate de su marido, el millonario Arthur Bannister.
Su esposo es un famoso abogado que se divierte atormentado
a su esposa. El socio de Bannister,
George Grisby, le propone que simule su asesinato por cinco mil dólares. Michael decide
aceptar el trato para conseguir el dinero y huir con la mujer.
Realizada en 1947 por el gran Orson Welles en su época de mayor esplendor creativo, fue tratada muchas veces cómo una obra menor en su filmografía.
Nada más lejos de la realidad, porque esta película es una auténtica muestra del buen hacer de este genio del cine.
Y al igual que el personaje de Welles se sentía atraído por la fascinación de Rita Hayworth, el espectador queda atrapado desde el primer minuto al último,
por el enorme poder de fascinación que la película posee en absolutamente todos sus aspectos.
Y es que uno de los mayores logros de Welles, fue el de saber combinar todos los elementos de los que disponía para acabar reali-zando un film casi inclasificable.
Su guión, enormemente conciso, lleno de giros, y cargado de diálogos sublimes dignos de ser enmarcados.
Atención a la conversación final entre Welles y Hayworth, absolutamente impagable.
Su narración, con una fuerza pocas veces vista, y un enorme gusto por lo extraño, por decirlo de alguna manera. Ya el inicio es extraño, con una situación aparentemente forzada,
pero que engancha rápidamente al espectador, gracias al poder de sugestión que poseen las imágenes de Welles.
Y es que la puesta en escena es de las de quitarse el sombrero. Jugando maravillosamente con el blanco y negro,
más los grises, gracias a la fotografía de Charles Laughton Jr, ayudado por Rudolph Maté y Joseph Walker.
Y usando la cámara de forma impresionantemente única, con movimientos arriesgados, y travellings innovadores,
cuyo máximo exponente terminaría cuajando en esa obra maestra titulada ‘Sed de Mal’.
En tan sólo 83 minutos de duración, en otra lección de cómo contar una historia en poco tiempo, Welles mezcla misterio, drama y sexualidad de forma tan atrayente,
que es imposible olvidar este film, enormemente influyente en el cine posterior, y diez millones de veces imitado, pero jamás superado.
A ello contribuye, cómo no, la presencia de Rita Hayworth, tan fascinante cómo en ‘Gilda’, La suerte profesional parece ir en racha, y en 1947 rueda, junto a su nuevo marido,
el director Orson Welles, un filme que fue en su día maldito, pero que resultó de enorme trascendencia: La dama de Shangai.
La película no tuvo mucho éxito comercial porque Welles le cortó el pelo, la tiñó de rubio platino, le dio un papel de arpía y la mató al final de la película, cosa que no gustó mucho a su público.
Sin embargo, forma parte de la mitología del cine por su narrativa, estilística y ritmo, y Rita Hayworth declaró años después que «sabía que estábamos haciendo un clásico mientras la rodábamos».
y componiendo un personaje de mujer fatal, que por derecho propio, está en el Olimpo del Cine a la altura de Barbara Stanwyck en ‘Perdición’, o Jane Greer en ‘Retorno al Pasado’, obras cumbres del cine negro.
Retazos de maestría de un autentico pionero que decidió filmar una historia de suspenso de características policiales con una trama romántica cuya característica principal también es el misterio
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