Keith Haring ( 4 de mayo de 1958, Reading, Pensilvania - † 16 de febrero de 1990, Nueva York) fue un importante artista y activista social cuyo trabajo refleja el espíritu de la generación pop y la cultura callejera del Nueva York de los años 1980
1958 Nace el 4 de mayo en Reading (Pensilvania); fue el primogénito y único niño de cuatro hermanos. Keith Haring siente ya siendo niño un gran interés por el dibujo. Su padre, Alien le apoya y fomenta esa pasión.
Durante una visita al Hirshhorn Museum de Washington DC, Haring ve por primera vez trabajos de Andy Warhol, una serie de Marilyn, lo que le causa una profunda impresión.
1976-1978 Después de finalizar los estudios secundarios en 1976 en Kutztown, Pensilvania,
se matriculó, por recomendación de sus padres en Artes gráficas publicitarias en la Ivy School of Professional Art de Pittsburg, donde comenzó a realizar serigrafías para vender camisetas.
Después de dos semestres, dejó la carrera para dedicarse exclusivamente al arte. Siguió participando en seminarios y utilizaba las instalaciones de la Universidad.
Al margen de las influencias de la vida diaria, los trabajos de artistas como Fierre Alechinsky, Jean Dubuffet o Robert Henri se convierten en las fuentes de inspiración artística de Keíth Haring.
Bajo su influencia se desarrolla su estilo gráfico, que concede principal importancia a la línea
1978 cuando acaba de cumplir los 19 años Keíth tiene la oportunidad de exponer individualmente sus trabajos en el Pittsburgh Arts & Crafts Center.
A pesar del entusiasmo que le provoca tener tan pronto esa oportunidad, es consciente de que Pittsburgh le ofrece posibilidades muy limitadas para su desarrollo artístico.
Ese mismo año toma la decisión de abandonar esta ciudad. Se traslada a Nueva York y se matricula en la School of Visual Arts (SVA).
Como estudiante hizo vídeos, instalaciones y cut-ups sigui-endo los truisms de Jenny Holzer y las técnicas de William S. Burroughs y Brion Gysin.
Busca pronto el contacto con el público presentando sus trabajos en la calle y en los clubs, de modo visible a todo el mundo. Haring defiende la opinión de que el arte ha de ser accesible a todo el mundo y no solo a una élite.
Traba amistad con artistas como Kenny Scharfy o Jean-Michel Basquiat, así como con músicos y actores. Se convierte en parte integrante del mundo alternativo del arte y de los clubs.
1979 Se interesa vivamente por las líneas negras de los graffiti que artistas como el estadounidense Jean-Michel Bas-quiat
dibujaban en el metro, un tipo de expresión artística que empezaba a ganar aceptación en las galerías de Nueva York.Realizó una performance en el Club 57 de Manhattan llamada Poetry-Word-Things.
Pero fue una conferencia del artista de origen búlgaro Christo la que le hizo comenzar a realizar sus creaciones en espacios abiertos y públicos.
1980 Con su instinto por los lugares adecuados, Haring descubre las superficies libres de carteles en el metro de Nueva Nork.
Estas superficies resultan ser una posibilidad ideal de comunicarse con un público que se cuenta por millones y de compartir su arte con otras personas.
Comienza a pintar graffiti en el metro como el mismo definió, se convierte en su ‘laboratorio’, donde experimenta con sus claras líneas y en otros muchos lugares.
Empleaba imágenes como un perro ladrando, platillos volan-tes que emitían rayos luminosos y lo que él mismo denominaba
su ‘bebé radiante’, un bebé sin cara rodeado de líneas luminosas, que se convirtió en su firma.
Dibujaba estas imágenes con un rotulador negro grueso o con tiza blanca sobre el fondo oscuro de los carteles de las estaciones de metro.
Aunque estas obras le hicieron famoso, fue arrestado en varias ocasiones por dañar la propiedad pública.
Al tiempo que realizaba estas pinturas callejeras, creaba tam-bién obras para exponerlas en importantes.
Surge la oportunidad de participar en una exposición de grupo, el Times Square Show, que facilita a Haring el presentar su arte en comparación directa con otros artistas.
En el otoño de 1980 toma la decisión de no matricularse en la SVA en el semestre de invierno. Abandona la Escuela sin título, que se le concede postumamente en 2000.
1981 Haring organiza numerosas exposiciones de grupo en el Club 57 y en el Mudd Club.
Las exposiciones de sus propias obras, en el Westbeth Painters Space, en el Club 57, en la Hal Bromm Gallery y en P. S. 122 son instalaciones volumétricas y de gran superficie. Esta última le valió su primera crítica en las ‘SoHo WeeklyNews’
. En esa época consigue ganar por primera vez dinero vendiendo sus obras. Conoce a Juan Dubose, que se convierte en su compañero sentimental.
1982 Tony Shafrazi pasa a ser su galerista. Para su primera exposición individual, Haring trabaja sobre todo sobre plancha de vinilo.
Esta plancha, fabricada industrialmente, no solo es de un precio asequible, sino que también permite pintar cuadros de gran formato. Estilísticamente, los dibujos y las obras sobre plancha enlazan con los subway drawings.
Otro acontecimiento que eleva su popularidad es una animación de 30 segundos de duración de sus iconos, que se proyecta sobre una pantalla gigante (Specíacolor Bill-board), en el Times Square de Nueva York durante un mes, cada 20 minutos.
A través de sus contactos con el mundo del graffiti Haring conoce a LA II, un joven artista de graffiti-,
con quien realiza algunos proyectos. Al mismo tiempo sus trabajos se dan a conocer en Europa. Participa en la documenta 7 de Kassel. Siguen viajes a Países Bajos, Bélgica y Japón.
1983 Viaja por primera vez a Italia y expone en la Gallería Lucio Amelio de Napóles.
Conoce al escritor William S. Burrouhgs, cuya obra estima mucho desde sus tiempos de estudiante. Participa en la Whitney Biennale de Nueva York y en la Sao Paulo Biennale.
Con ocasión de la inauguración de una exposición en la Fun Gallery conoce a Andy Warhol.
Surge una amistad entre ambos, caracterizada por un reconocimiento mutuo y el intercambio artístico. Haring realiza su primer bodypainting en el cuerpo del coreógrafo Bill T. Jones.
1984 Gran parte de sus trabajos públicos está estrechamente relacionada con proyectos benéficos para niños.
Da clases de dibujo en escuelas y museos de Nueva York, Ámsterdam, Londres, Tokio y Burdeos y proyecta motivos para campañas de alfabetización en Estados Unidos y Alemania.
Pinta un mural para el Walkcr Art Center de Minneapolis; y a continuación en Sydney, Melbourne y Río de Janeiro.
Como siempre que trabaja en público está rodeado por niños y adolescentes, lleva consigo pegatinas y chapas, que distribuye entre sus pequeños fans. Hace un segundo body painting, esta vez en el cuerpo de Grace Jones.
En el verano es invitado a participar en la Biennale de Venecia. Proyecta los decorados para ‘El matrimonio entre el cielo y el infierno’ para el Ballet Nacional de Marsella.
1985 Presenta por primera vez sus esculturas de acero y aluminio en la Leo Castelli Gallery de Nueva York.
Para su primera gran exposición individual en el Musée d'Art Contempo-rain de Burdeos pinta sobre lienzos gigantes el ciclo Los Diez Mandamientos. Haring intensifica su actividad política y lucha contra el Apartheid.
El sida se convierte en un tema importante, que traduce en su arte en muchas ocasiones. En Paradise Garage conoce a su nuevo amante, Juan Rivera, y se separa de su compañero de muchos años Juan Dubose.
1986 En abril inaugura su primer Pop Shop en SoHo, donde vende sus productos, como camisetas, pósters, pegatinas y adhesivos magnéticos.
Concebido como ampliación de su obra, el Pop Shop tiene como objetivo permitir a la gente que participe en el arte de Haring.
La cercanía con la gente de la calle sigue siendo su objetivo principal. En esa época ha realizado ya más de 50 proyectos públicos por todo el mundo,
frecuentemente con mensajes sociales. Algunos murales se encuentran en lugares muy visibles como hospitales e iglesias; otros, por el contrario, en sitios más apartados.Pintó un trozo del muro de Berlín
1987 Hace exposiciones individuales en Helsinki, Amberes y Knokke (Bélgica). Diseña un tiovivo para el parque de atracciones Luna Luna de Hamburgo, donde conoce a Niki de Saint-Phalle y Jean Tinguely.
En Alemania participa en la exposición ‘Proyectos escultóricos en Münster’ con la escultura Red Dogfor Landois.
1988 Al conocer su propia infección con el VIH, muchas de sus obras adquieren una mayor dureza y aspereza.
El estado personal, entre esperanza y desesperación, no paraliza la energía artística, sino que incluso la hace aparecer con mayor vitalidad. Haring trabaja sin descanso como si quisiera vencer su propio destino pintando. Intensifica sus trabajos contra el sida. Inaugura una filial del Pop Shop en Tokio.
1988-1989 En los últimos años de su vida, Haring enriquece su arte con una nueva complejidad. Colabora con el escritor William S. Burroughs. Ilustra dos textos (‘Apocalypse’ y ‘The Vailey’).
Hace grandes pinturas murales en Barcelona, Mónaco, Chicago, Nueva York, lowa City y Pisa. En esta ciudad pinta el muro exterior de la iglesia Sant' Antonio con su cuadro Tuttomondo, una acción que él mismo describe como uno de los momentos más destacados de su carrera.
En su vida privada pasa mucho tiempo con su amigo Gil Vázquez, que se convierte en su último compañero.
En la primavera de 1989, Keith Haring , pintó, sin cobrar y a la velocidad meteórica con que lo hacía todo, un mural en las paredes de uno de los servicios de hombres del Lesbian and Gay Community Services Center de Nueva York (EE UU). La obra, una alegoría del homoerotismo ,
ha sido restaurada casi por completo tras estar a punto de perderse para siempre por la falta de cuidados.
El mural, titulado Once Upon a Time (Érase una vez), fue pintado por Haring en el cuarto de baño del segundo piso del edificio,
situado en el 208 West 13th Street de Nueva York, sede de la veterana organización, fundada en 1983 y dedicada a la defensa de los derechos de los homosexuales.
El artista, que ya había despuntado como uno de los creadores más brillantes de su generación, había sido invitado por la organización, junto con otros 49,
para elaborar una obra que celebrase los veinte años de los disturbios de Stonewall (junio de 1969), que se consideran el inicio de la lucha activa de la comunidad gay.
1989 Haring crea antes de su muerte una fundación que lleva su nombre y cuya dirección confía a su ayudante Julia Gruen.
La fundación tiene como objetivo promover proyectos para niños así como ayudar a organizaciones que luchan contra el sida.
1990 El 16 de febrero Haring muere de sida en Nueva York, a la edad de 31 años.
Roy Lichtenstein nace el 27 de octubre de 1923 en Nueva York. Es el primogénito del matrimonio formado por Milton (1893-1946), agente inmobiliario de la compañía Garage Realty y Beatrice (1896-1991), ama de casa. La familia vive en Upper West Side, en la calle 86 oeste.
1927 el 17 de diciembre nace su hermana Renée.
1928-1936 comienza sus estudios en el colegio 9 de primaria, situado en la calle 84 Oeste con la avenida West End.
1936 Lichtenstein tiene trece años, e ingresa en el colegio privado para chicos cercano a su casa, llamado Franklin School, graduándose en 1940. Siente verdadera pasión por el dibujo y las ciencias naturales, a menudo visita el Museo de Historia Natural con su madre. También realiza numerosas maquetas de aviones.
1940 en verano asiste a unas clases de pintura de Reginald Marshs en el Students League. Pero esas clases no convencen a Roy puesto que los profesores ponen más empeño en la utilización de las técnicas pictóricas que en el proceso creativo.
En otoño se matricula en la Universidad e Ohio, en Columbus, donde, desde el principio se matricula en Dibujo Elemental y Dibujo Libre. En sus obras de esa época encontramos retratos y naturalezas muertas muy al estilo de Picasso (realiza una copia de ‘Retrato de Gertrude Stein’, 1906) o Braque.
1942 Lichtenstein se apunta a un curso del profesor Hoyt L. Sherman titulado ‘Dibujar mirando’, en el que los estudiantes, sentados en la oscuridad, deben dibujar objetos colocados o suspendidos en medio de una habitación, iluminados durante un solo segundo por un fogonazo de luz. A partir de ese momento, las teorías de Sherman sobre la ‘percepción organizada’ o la unidad visual y perceptiva constituyen la base del trabajo de Lichtenstein.
1943-45 es reclutado por el ejército de Estados Unidos y abandona la Universidad de Ohio para incorporarse a filas. Posteriormente trabaja como oficinista y dibujante, agrandando para su oficial viñetas del periódico del ejército Stars & Stripes.
Al terminar la guerra se traslada desde Alemania a París, donde estudia algo de francés en la Ciudad Universitaria.
Este año viajó a París donde ya estaban artistas que él conocía como Picasso y Manolo Hugué, pero con escasa fortuna.
1946 Lichtenstein regresa a la Universidad de Ohio y en junio termina la licenciatura en Bellas Artes. Entre sus trabajos de esta época se encuentran unas esculturas de estilo precolombino, algunas talladas en piedra y otras realizadas en terracota o cerámica.
En septiembre acepta un puesto como profesor de arte en la OSU. Entre las clases que imparte está el curso ‘Design 423’, en el que emplea un ‘Flash Lab’ (laboratorio de flash) similar al de Sherman. En estas clases pide a los alumnos que dibujen sobre papel de periódico, utilizando grandes bloques de carboncillo o ceras, objetos iluminados fugazmente, tal y como aprendió de su maestro.
1948 Roy forma parte de una exposición colectiva en la Ten-Thirty Gallery de Cleveland, una cooperativa de artistas donde conoce a la que será su esposa, Isabel Wilson, la asistente de la galería. Allí expone cuadros de músicos, de obreros, de un piloto de carreras y hasta de un buzo de alta mar, pintados a partir de sencillas formas biomórficas bien delineadas, que plasman el estilo caprichoso e infantil de Paul Klee. Un año después, sus retratos tipo son sustituidos por sujetos inspirados en cuentos de hadas a los que rodea de una selección de flora y fauna surrealista.
1949 obtiene el Masters en Bellas Artes por la Universidad de Ohio, en la que se queda como instructor hasta 1951.
Se casa con Isabel Wilson, de la que se divorciará en 1965.
1950 Lichtenstein participa en una exposición colectiva en la Chinese Gallery de Nueva York, galería que expone con frecuencia los trabajos del grupo de artistas abstractos norteamericanos además de piezas clásicas de arte chino. También realiza su primera exposición individual en la Carlebach Gallery de Nueva York.
En esta época sus obras tienen claras referencias a Frederic Remington y Charles W. Peale, dentro de un estilo cubisto, con el tiempo sus trabajos se irán haciendo más sueltos y expresionistas
1951 realiza ensamblajes de objetos de madera encontrados y tallados, que representan caballos, caballeros con armadura e indios. En sus pinturas también encontramos temas similares que se sitúan entre el expresionismo y el cubismo, Lichtenstein se dedicó bastante a la experimentación. Se recrea con los medios de Comunicación y las estructiras del modernismo europeo aplicándolo a temas americanos.
En junio finaliza su contrato con la OSU, y se traslada con su familia a Cleveland, donde Isabel puede desarrollar su trabajo como decoradora de interiores y Lichtenstein realiza una serie de trabajos ad hoc relacionados con la ingeniería comercial y el dibujo, es decorador de escaparates y diseñador de chapas metálicas.
1952 se une al elenco de artistas de la John Heller Gallery en Nueva York y expone interpretaciones de destacadas obras del siglo XIX americano. Otro motivo acentuado en la obra correspondiente a su periodo pre-Pop son los vaqueros e indios americanos. Como es frecuente en Lichtenstein, el pintor los representa utilizando una gran variedad de técnicas, óleo, pastel, acuarela, tinta, lápiz y en estampas realizadas a partir de grabados de madera y de lino.
1954 el 9 de octubre nace su primer hijo, David Hoyt Lichtenstein.
1956 el 10 de marzo nace su segundo hijo, Mitchell Wilson Lichtenstein. Aunque expone su obra con regularidad en Nueva York, no consigue ganar lo suficiente para mantener a su familia, por lo que decide volver a la enseñanza.
Este año realiza una litografía humorística de un billete de diez dólares, donde muestra lo recurrente que podía resultar la unión entre las formas de arte establecido y temas americanos. La obra por las dimensiones, el tipo de papel y todo lo demás parece una falsificación, está en su fase de protopop.
1957 Lichtenstein acepta un puesto como profesor asistente en la State University of New York en Oswego, en la parte norte del estado de Nueva York.
Su obra se vuelve más abstracta y expresionista.
1958 expone en la Condon Riley Gallery de Nueva York, obras de expresionismo abstractas pero sin demasiado éxito.
1959 comienza a realizar dibujos de tiras cómicas con el Pato Donald, Mickey Mouse o bugs Bunny, sin embargo estos dibujos nunca llegaron a ser expuesto, muchos fueron destruidos y otros tantos tapados con nuevas pinturas.
1960, Lichtenstein deja su puesto docente en Oswego para incorporarse como profesor asistente de Arte en el Douglass College, el college de chicas de la Rutgers State University of New Jersey en New Brunswick, Nueva Jersey, no muy lejos de la ciudad de Nueva York. En Rutgers conoce a Allan Kaprow, que le presenta a Claes Oldenburg, Lucas Samaras, George Segal, Robert Watts, Robert Whitman y a otros artistas implicados en la escena artística de los llamados Happenings.
1961 Lichtenstein pinta ‘Look Mickey’, su primer trabajo clásico con una viñeta, en el que emplea un efecto de media tonalidad con los puntos Benday que obtiene sumergiendo un pincel de pelo de perro en pintura de óleo. Ese mismo año, Lichtenstein empezará a usar una pantalla de metal hecha a mano y un rodillo de pintura para obtener el efecto de los puntos Benday. Abandona el tema de los dibujos de Disney y empieza a utilizar la imaginería de la publicidad que evoca el consumismo y las tareas domésticas. La obras las presenta en formatos grandes sobre una trama tipográfica de puntos, sobre fondo blanco. Su intención era despojarlas de toda intencionalidad y reducirlas a meros elementos decorativos, a lo que contribuía la restricción de colores, reducidos a amarillo, rojo y azul, perfilados por gruesas líneas negras. En otoño Leo Castelli acepta representar las obras de Lichtenstein, en detrimento de las de Warhol, que también aplica imaginería de cómic, y las ventas pronto se disparan.
1962 vuelva a vivir y trabajar en Highland Park. Realiza una exposición individual en Leo Castelli Gallery, exposición monográfica de obras basadas en las series de tiras de cómics e imágenes publicitarias rudimentarias de la prensa. A lo largo de ese año, el trabajo pop de Lichtenstein se muestra en seis grandes exposiciones por todo el país.
1963 se separa de Isabel quien se va a vivir con los niños a Princeton.
Participa en la exposición organizada en el Guggenheim de Nueva York, ‘Seis pintores y el objeto’. En este año realiza exposiciones en París, Turín y los Ángeles. Pide excedencia de un año en la Rutgers y se traslada a vivir a Nueva York.
1965 divorciado de Isabel, que recibe la custodia de los niños, se traslada a 190 Bowery, donde instala su residencia y el estudio en un almacén, que había sido un banco alemán construido en 1917. Tiene como vecinos a Adolph Gottlieb, Malcolm Morley, Nevelson, o Rothko.
1967 comienza su serie sobre pintura moderna inspirada en los motivos Art Déco del Radio City Music Hall del Rockefeller Center en Manhattan e introduce en su trabajo el efecto de graduación de los puntos Benday. Ese otoño crea su primera serie de esculturas a gran escala en latón y cristal tintado inspiradas en diseños Déco. Poco después llegarán las pinturas modulares con imágenes de estos mismos diseños.
1968 realiza una exposición restrospectiva (1961-1967) en el Pasadena Art Museum. Esta exposición se itinerará por Mineápolis, Ámsterdam, Londres, Berna y Hannover.
El 1 de noviembre contrae matrimonio con Dorothy Herzka.
1969 inspirado por las series de cuadros de Claude Monet, Lichtenstein introduce el tema de los almiares y de la catedral de Rouen vista a distintas horas del día. Este tema propicia su vuelta a los grabados sencillos y es el origen de su colaboración a largo plazo con Gemini G.E.L. en California. También realiza su primera y última película para el programa Arte y Tecnología del Los Ángeles County Museum of Art.
1970 se traslada a Southampton, Long Island. Este año pinta cuatro murales para la facultad de medicina de la Universidad Dusseldorf. Es elegido miembro de La American Academy of Arts and Sciences (Boston).
Dos de sus películas de vistas marinas son proyectadas en la Expo 70 de Osaka, Japón.
1971 ‘Mirrors’ es exhibido por primera vez en la Leo Castelli Gallery.
1972 se publica la primera monografía de pinturas y esculturas de Lichtenstein por Waldman.
1974 realiza los primeros trabajos influenciados por el Futurismo italiano. Comienza la nueva serie de ‘Entablatures’, usando colores metálicos y mezclando la pintura con arena para destacar la textura superficial.
1975 Termina la serie final de Entablature. Realiza varios autorretratos en estilo futurista. Warhol crea a ‘Silkscreen’, el retrato de Lichtenstein.
1977 comienza la serie de pinturas basadas en obras de autores surrealista como Dalí, Ernst o Magritte.
1979 termina sus últimos trabajos sobre obras surrealistas y comienza los inspirados en el Expresionismo alemán, de autores como Erich Heckel, Franz Marc o Karl Schmidt-Rottluff. La Fundación Nacional para las Artes le encarga una escultura publica: ‘Sirena’ de unos tres metros, de acero y hormigón, para el Theater of the Performing Arts, Miami Beach, Florida. En mayo es elegido miembro de la American Academy of Arts and Sciences de Nueva York.
1980 es nombrado Doctor Honoris Causa por la Fine Arts from Southampton College de Nueva York.
1981 gran retrospectiva itinerante de su obra desde los años setenta, organizada por el Saint Louis Museum. Viajará por los Estados Unidos, Europa y Japón.
1985, la abstracción geométrica es objeto de una gran atención en sus series ‘Perfecto’, ‘Imperfecto’ y ‘Plus y Minus’. Al final de la década, la reflexión es el tema predominante en su trabajo. Lichtenstein reconfigura algunos de los motivos, unos icónicos y otros menos conocidos, de su repertorio Pop con un formato de composición nuevo y audaz.
1986 se muestra al público el Mural con pincelada Azul del vestíbulo del edificio de la Equitable Life Assurance Society de Nueva York.
1987 exponen una retrospectiva de sus dibujos en el Museum of Modern Art de Nueva York, es el primer artista vivo al que se le dedicó una retrospectiva en este museo, esta misma exposición se presenta un año más tarde en Francfort.
1990 participa en la exposición ‘High and Low: Modern Art un Popular Culture’, en el Museum of Modern Art de Nueva York.
1991 dos obras de Lichtenstein son mostradas en la Bienal del Museum’ Whitney. Este año expone de forma individual en distintas galerias: Ernst Beyeler de Basilea; Daniel Templon de París y Hans Strelow de Dusseldorf.
1992 inspirándose en Gaudí, realiza una escultura hecha con teselas de cerámica: ‘Barcelona-Heads’, para los Juegos Olímpicos de esa ciudad española.
1993 el Guggenheim Museum presenta una retrospectiva de sus pinturas y esculturas organizada por Waldman. La muestra viaja a el Museum of Contemporary Art de Los
Angeles; Museé des Beaux-Arts, Montreal; Haus der Kunst, Munich;
Deichtorhallen, Hamburg; Palais des Beaux-Arts, de Bruxelles. El último lugar donde se expone es en el Wexner Center for the Arts, Ohio.
Recibe la Medalla de la Ciudad de Barcelona. Comienza a trabajar en la serie de desnudos femeninos.
1994 se expone la primera serie de desnudos en la Leo Castelli Gallery. El the Tokyo Museum of Contemporary Art compra la obra de Lichtenstein ‘Girl with Hair Ribbon’, 1965 por seis millones de dólares.
1995 Lichtenstein recibe la Medalla Nacional de las Artes en Washington, D.C., en la gala presidida por el presidente de los Estados Unidos Bill Clinton y su esposa.
1997, el 29 de septiembre, a los 73 años fallece en el New York University Medical Center, de una neumonía.
El cuadro de Roy Lichtenstein, "I Can See the Whole Room!... and There's Nobody in It!", batió el récord mundial
para este representante clave del arte contemporáneo al ser subastado por 43,2 millones de dólares en Nueva York
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Lichtenstein colaboro en modernizar la imagen de Barcelona, fue en el rutilante año 92 en el que la ciudad se convirtió en el centro del mundo, cuando se inauguro una escultura suya de gran tamaño llamada "Cap de Barcelona" cabeza de Barcelona.
Se encuentra delante del edificio de Correos, al principio del Paseo de Colon, en una de las zonas que mas cambios sufrió durante las olimpiadas.
Cap o Heat (nombre que recibe en la propia Fundación Lichtenstein) simula la cabeza de una chica y mide 20 metros por 6 de ancho y esta echa de cerámica y homigón de vistosos colores que incluso llega a contener algún mosaico "trencadis" tan típico del modernismo barcelones.
Esta escultura sirvió también como imagen de la campaña municipal llamada "Barcelona, posa't guapa!" "Barcelona, ¡ponte guapa!" que desde 1986 se ocupa de subvencionar las rehabilitaciones de los edificios deteriorados.
Cuando la fiebre olímpica termino, también cayo la popularidad de esta obra, que a decir verdad y a pesar de su vistosidad no se encuentra entre las favoritas de los ciudadanos o visitantes de la ciudad, quizá mas por desconocimiento que por otra cosa.
Y es que su ubicación - cercana a un cruce de carreteras y en un tramo que es un lugar de paso- tampoco es la idónea.
Francis Bacon (Dublín, Irlanda, 28 de octubre de 1909 – Madrid, España, 28 de abril de 1992) Pintor anglo-irlandés, de estilo muy personal que puede definirse como figuración expresionista.
Aunque nació en Dublín y toda su niñez transcurrió en Irlanda, se le suele considerar un pintor inglés debido a sus raíces familiares inglesas y a que desarrolló buena parte de su producción en Londres.
Su padre entrenaba caballos de carreras en Dublín, pero debido a la Primera Guerra Mundial tuvo que mudarse con su familia a Londres en 1914. Entre 1914 y 1925 la familia vivió entre Inglaterra e Irlanda.
La infancia de Francis Bacon no fue fácil. Padecía de asma crónica y tuvo una formación escolar irregular porque la enfermedad le impedía acudir al colegio; cuando sufría ataques asmáticos fuertes le administraban morfina.
Fue expulsado de casa por su padre cuando tenía 16 años, al manifestar sus inclinaciones homosexuales.
En 1926 comenzó a tomar lecciones de dibujo en la St Martin School of Arts de Londres. A partir de 1927 vive entre París y Berlín, donde comienza a trabajar como decorador de interiores y es en esta etapa cuando empieza a pintar, no alcanzando el éxito con sus primeros cuadros.
Residió durante medio año cerca de Chantilly, alojado por una pianista y aficionada al arte que había conocido en una exposición en París.
En esa época en Chantilly admiró el cuadro La masacre de los inocentes de Poussin, conservado en el Museo Condé sito en dicha localidad.
Este cuadro le inspiraría múltiples obras. Pero la influencia más importante que le lleva a pintar es una visita a una exposición de Picasso en París,
la cual le impresiona y que será una influencia en su trabajo: «Aquellos pierrots, desnudos, paisajes y escenarios me impresionaron mucho, y después pensé que quizá yo también podría pintar».
(Lucian Freud y Francis Bacon en el estudio de Bacon en Battersea (Londes) fotografía de Daniel Farson, 1953)
Bacon decidió que el tema de sus pinturas sería la vida en la muerte: debía buscar a su yo más vital, pero también al más autodestructivo. Michel Leiris le sugirió que «el masoquismo, el sadismo y casi todos los vicios, en realidad, eran tan solo maneras de sentirse más humano».
En 1929 regresa a Londres, y de forma autodidacta comienza a pintar en óleo. No obstante no había logrado el reconocimiento, y cuando cumplió 35 años, por su carácter temperamental, destruyó casi todos sus cuadros.
Es hacia 1944 cuando finaliza el tríptico Tres estudios de figuras junto a una crucifixión (Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion; Tate Modern de Londres), un cuadro que ganó la aceptación y fue recibido muy bien por la crítica, además de ser considerado como uno de los cuadros más originales en el arte del siglo XX.
A finales de los años 40 empezó a conformar su estilo más inconfundible. En 1949, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA),
compró una obra suya. También en este año comienza la serie de versiones sobre el Retrato de Inocencio X de Velázquez (Palazzo Doria-Pamphili de Roma); hoy en día se conservan más de 40.
Se cuenta que Bacon se guió por fotografías y que se negó a ver el cuadro original, aun teniendo ocasión de hacerlo; hay quien sospecha que tal afirmación era una broma y que sí contempló el original de Velázquez.
El retrato de 1952 fue adquirido por la Tate Gallery. En 1988, sería cedido en calidad de préstamo para una eposición en Belín, donde sería robado.
Nunca ha sido recuperado. El retrato de 1956 sigue siendo, por lo tanto, el único superviviente. Bacon, siempre inquieto, abandonó la sesión de posado para este retrato, probablemente para ir a buscar a su amante Peter Lacy a Tánger
Francis Bacon realizó algunas de las pinturas más desgarradoras del arte contemporáneo (que Margaret Thatcher despreció como «asquerosos trozos de carne»), pero su carácter era tan atípico como poco dado a llamar la atención.
En 1964 conoció a George Dyer, su amante por muchos años, de la manera más chocante: le sorprendió robando en su taller y (según relató el mismo artista) terminaron la noche acostándose juntos.
Su relación fue más bien tormentosa, si bien inspiró múltiples obras al artista, y Dyer terminó suicidándose con barbitúricos en 1971. Tres años después Bacon inició su relación más estable, con el joven John Edwards, quien heredaría sus bienes (valorados en 11 millones de libras).
Bacon llevaba una vida más bien solitaria y poco dada a escándalos. Vivió etapas de gran actividad sexual y tenía gustos e intereses inusuales, pero vestía de forma austera y seguía una rutina diaria más propia de un trabajador. Después de pintar, acudía a pubs a beber cerveza.
Curioso y desordenado, Bacon acumulaba en su taller innumerables recortes de prensa y fotografías de obras de arte antiguas, especialmente de Velázquez. También le interesaban las viejas películas de atletas saltando y corriendo, así como de aves y demás animales, pues le fascinaba el movimiento de los seres vivos.
El taller de Bacon estaba tan desordenado, que el artista pisaba sus propias obras. Solía desechar bastantes si no estaba satisfecho con ellas; en cierta ocasión entregó varias a un electricista que había acudido a reparar algo. Décadas después, estas piezas fueron subastadas y alcanzaron altas cifras.
El taller de Bacon fue donado por su heredero John Edwards al museo Hugh Lane Municipal Gallery de Dublín. Fue desmontado y trasladado como una obra de arte en sí misma a dicho museo.
Bacon visitaba el Museo del Prado con relativa frecuencia; a veces en privado, cuando el museo estaba cerrado.
Se rumorea que sus últimos viajes a Madrid se debieron a que mantenía una relación con «un banquero español» llamado José, que recibió algunas pinturas suyas, pero esta cuestión se mantiene bajo un manto de silencio.
Del 3 de febrero al 19 de abril de 2009 el Prado acogió una exposición antológica de Bacon, co-organizada con los museos Tate Modern de Londres y Metropolitan de Nueva York.
Los cuadros de Bacon tienen influencia de Munch en los trazos y de las tonalidades de Van Gogh; también se percibe la influencia de Goya ya que plasmó la angustia en sus cuadros.
En sus cuadros trabajó la representación de la figura masculina o femenina, que por lo general aparece de forma desfigurada e incluso de forma aterradora, en espacios cerrados y oscuros.
Los retratos y autorretratos son una gran parte de las pinturas; destaca entre ellos George Dyer en un espejo (Portrait of George Dyer In a Mirror, 1968), del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, en donde refleja la fragilidad del ser. Refleja la época que vivió, la Segunda Guerra Mundial.
En otros cuadros como Cabeza rodeada de carne de vaca (Head Surrounded by Sides of Beef, 1954), del Instituto de Arte de Chicago, y en la serie Perros que gruñen (Dogs), Bacon refleja el belicismo, la capacidad del ser humano por ser violento y la inclinación de la naturaleza humana por la violencia.
A lo largo de toda su carrera Bacon recurrió al informalismo, al expresionismo y al surrealismo, pero sus cuadros pertenecen al racionalismo.
Sin embargo, para algunos autores la obra de Francis Bacon no pertenece a tal corriente. Se trata de una pintura de corte expresionista pero muy difícil de clasificar, porque nunca perteneció a ningún movimiento artístico.
Simplemente prosiguió lo que él consideró (en las entrevistas que le hizo David Sylvester a lo largo de los años sesenta) una línea pictórica postpicasiana, siguiendo la vía abierta que Picasso dejó con la figuración y la representación obsesiva del cuerpo humano.
Según el filósofo francés Gilles Deleuze, autor de uno de los ensayos que mejor analizan la obra del pintor (Francis Bacon: Logique de la sensation),
la figuras de Bacon son las que mejor representan al hombre del siglo XX: si Cézanne lo hizo con el paisaje, Giacometti y Bacon llevaron al hombre a su mejor representación artística, en relación al hombre angustiado por la vida, pero entusiasmado por el arte.
Además del Museo Thyssen, otros museos españoles que cuentan con obra de Bacon son el Museo Reina Sofía de Madrid (Desnudo tumbado) y el Museo de Bellas Artes de Bilbao (Figura recostada ante un espejo).
El arte de Francis Bacon ha experimentado un extraordinario repunte de precios en el mercado de las subastas.
Apreciado sólo por unos pocos conocedores y coleccionistas hasta que alcanzó una edad madura,
Bacon vio cómo sus precios ascendían a principios de los años 90, pero no vivió lo suficiente para presenciar este fenómeno en todo su actual alcance.
Él parecía mantenerse ajeno a su éxito; mantenía su rutina aparentemente anodina y vestía con ropajes oscuros y aspecto más bien bohemio.
BACON EN EL CINE (( Love is the Devil (El amor es el demonio)).
El personaje de Francis Bacon fue llevado al cine por el director John Maybury en 1998, en la película Love is the Devil (El amor es el demonio).
Derek Jacobi encarnó a Bacon, y el personaje de su pareja George Dyer fue interpretado por un joven Daniel Craig , luego famoso como nuevo actor fijo para las películas de James Bond. En la película intervino también Tilda Swinton.
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«POCAS VECES MIRO UN CUADRO .....»
Francis Bacon pensó durante años en hacer esculturas lo cual, según admite, pudo influir en su manera posterior de pintar. En efecto, si no llegó a crear ninguna escultura fue por creer que lo que tenía en la cabeza podía hacerlo mejor pintando.
Pensaba en las esculturas sobre una especie de armazón muy grande por el que la escultura pudiera deslizarse y alterar la posición, concepción pues dinámica en la que dicho armazón serviría en realidad para destacar la imagen.
Repásese en que en muchos de sus cuadros usa este método que consiste en utilizar una estructura que haga destacar la imagen. Así en Pintura 1946, sin ir más lejos.
Las tentativas de Bacon de hacer escultura supondrían dotar a las figuras de una plasticidad vigorosa realmente original, lo cual demuestra la cantidad de detalle
s con que expone a David Sylvester en Entrevista lo que le gustaría que hubieran llegado a ser: armazón como una especie de raíl, imágenes que pudiesen atornillarse en posiciones distintas, colores y texturas heterogéneas, a base de una lechada de color carne...
A Bacon le fascinaba la escultura egipcia y griega, y creía «que quizá las imágenes más grandiosas que haya hecho hasta ahora el hombre han sido esculturas ».
Entre otras, consideraba influencias decisivas sobre su pintura, las obras de Miguel Ángel y Muybridge. No en vano la mayoría de las figuras de Bacon corresponden a desnudos masculinos, y es claro que, como él reconoce, hay en este hecho un fuerte influjo de Miguel Ángel, quien hizo «los desnudos masculinos más voluptuosos de las artes plásticas».
Bacon atribuye a Muybridge el haber aprendido en lo que respecta a las posiciones; y a Miguel Ángel en lo tocante a la amplitud y grandeza de la forma.
Además de las fotografías de Muybridge, Bacon reconocía mirar con insistencia fotografías de revistas, futbolistas y boxeadores, así como de animales. El movimiento animal y el humano están ligados en sus imágenes del movimiento humano.
David Sylvester: ¿A qué edad llegaste a comprender que la muerte te llegaría a ti también algún día? Francis Bacon: Me di cuenta cuando tenía diecisiete años. Lo recuerdo muy bien, muy claramente. Recuerdo que estaba mirando una cagada de perro en la acera y de pronto lo comprendí; ahí está, me dije, así es la vida.
Curiosamente, me atormentó durante meses, hasta que llegué, como si dijésemos, a aceptar que uno está aquí, existiendo durante un segundo, y que le aplastan luego como a una mosca contra la pared.
A Bacon le parecía que la vida es un sin sentido, pero que se lo damos nosotros con nuestra experiencia. Ahora bien, el sentido que le damos a la vida para hacerla soportable es «totalmente insustancial. Creamos determinadas actitudes que le dan un sentido mientras existimos, aunque sean en realidad insustanciales en sí mismas ».
¿Cómo expresarlo? Habría que «creer en nada, pero creer», continúa . La aparente contradicción de esta frase revela la absoluta contrariedad inherente al trastorno de haber nacido.
Francis Bacon, en fin, se consideraba a sí mismo un «médium» a través del cual actuaban el accidente y el azar, más que un pintor .
Medio pues de que las sensaciones se encarnaran en óleos. No se consideraba hombre de talento sino sólo «receptivo [...] enérgico [...] receptivo a la energía ».
«Pocas veces miro un cuadro», y se está refiriendo a que no es tanto el propio cuadro lo que le emociona al contemplar una gran obra, sino el hecho de que abra «toda clase de válvulas de sensación dentro de mí que me hacen volver más violentamente a la vida ». Por eso no importa tanto el objeto como el fruto subjetivo que resulta de su emanación.
Asmático, Francis Bacon murió del corazón, agitado por una respiración difícil, con sus pulmones fatalmente deteriorados al final de su vida. Cada vez pintaba menos y cada día se acentuaba más, al final de su vida, la raíz de su escepticismo.
En su rostro se mostraba a veces ese padecimiento, y además se registraba la terrible angustia que le convirtió en un testigo airado de este siglo.
De cerca, Francis Bacon era como sus cuadros, con su rostro mezcla de velocidad y de rabia, como un hombre airado que estuviera despidiéndose siempre, de la vida y de los otros; con sus ojos redondos, inquisitivos e insoslayables;
con su boca sinuosa y leve, pero mordida, interior, violenta; con sus pómulos desiguales y enjutos en una cara que acababa en un pelo rebelde, repeinado y simbólico: una cresta con la que culminaba una barbilla huidiza como el propio conjunto de su cuerpo.
Nacido en Londres en 1922, Richard Hamilton es una figura crucial del arte del siglo XX, en el segmento
en el que esta centuria más ha incidido en la actualidad; esto es: en el pop art, sobre el cual todavía hay hoy discusiones académicas acerca de si es un invento británico o estadounidense, lo cual nos deja indiferentes.
Todo el mundo, en cualquier caso, conoce la emblemática obra de Richard Hamilton titulada Pero ¿qué hace a los hogares de hoy tan diferentes, tan atractivos? (1956, collage 26x25 centímetros)
donde en un apartamento de aspecto moderno observamos, tras unos amplios ventanales en el fondo que nos muestran una visión nocturna de la ciudad, un interior con un mobiliario más o menos exótico,
en el que lo sorprendente es la presencia de un joven atlético que porta en su brazo derecho unas pesas, con el rótulo de Pop
mientras en un sofá transversal una joven rubia también desnuda e igualmente bien dotada se mesa el cabello mirando hacia otra parte.
Todo el ambiente está amenizado por un aparato reproductor de sonido que indudablemente alegraba el atardecer a estos jóvenes.
Es más que improbable que la realidad social británica todavía de posguerra se constituyera, en el ecuador de la década de 1950, en el modelo de desarrollo del capitalismo industrial,
pero la imagen de Hamilton, hecha con collages fotográficos y con un dibujo sintético, no se puede negar que estaba en la vanguardia de lo que posteriormente divulgó el pop art americano a partir de la siguiente década de los años sesenta.
¿Cómo entonces este joven británico, cuyos estudios sobre arte se habían prolongado hasta 1951 por causa de la II Guerra Mundial,
pudo convertirse en el heraldo de lo que ha constituido desde entonces hasta ahora la tendencia artística dominante, técnica y simbólicamente?
La clave, sin duda, se debe, por un lado, al descubrimiento temprano de la obra de Marcel Duchamp y, por otro, a la lectura del libro
Sobre el crecimiento de la forma, de D' Arcy Thompson, una combinación extraordinaria que pone en evidencia la dimensión conceptual y analítica del arte contemporáneo.
La biografía artística de Richard Hamilton discurrió en los canales normales de una sociedad británica todavía provinciana
pero que, entre 1952 y 1957, genera núcleos de incorformismo y experimentación, como el histórico de Independent Group,
a través del cual se difunden las viñetas de los cómics y las nuevas estrategias de la publicidad de masas,
junto a otros movimientos culturales que también revolucionan discretamente el hasta entonces conservador mundo teatral y cinematográfico de Gran Bretaña.
Después de unos inicios tan fulgurantes y espectaculares, la obra de Hamilton se sumergió en una investigación coherente, aunque
más discreta, en la que este artista siguió explorando el mundo de los interiores domésticos y en general de la rápida transformación urbana de la civilización occidental.
Es muy característica la serie significativamente titulada Interiores (1964-1979), en la que sigue con incorporaciones entremezcladas de elementos extraídos de la vía cotidiana y de la historia del arte.
También tuvo un papel muy sobresaliente su intervención en una exposición que ha entrado en los hitos de lo que se puede considerar
la vanguardia internacional de la segunda mitad del siglo XX: This is tomorrow tuvo lugar en 1956 en la Whitechapel Art Gallery, de Londres,
en un barrio urbano marginal que desde entonces se ha convertido en un templo para la captación de las novedades artísticas.
Como suele ocurrir con el arte y los artistas de nuestra época, cuyo acelerado consumo hace que, al margen de su calidad, tengan una duración extraordinariamente limitada,
Richard Hamilton después de la década efervescente del pop art de los sixties entró en un crepúsculo de invisibilidad,
algo parecido al de las reliquias de los santos en las profundas capillas de cualquier iglesia;
es decir: nadie que se preciara de conocer el arte de nuestra época dejaba de mirar al infinito con profundo respeto cuando se pronunciaba su nombre, pero con un aire ya un poco arqueológico.
Sin embargo, no solo el talento, sino la extraordinaria vitalidad de este artista británico, al que era difícil jubilar, como le suele ocurrir a todos los grandes, hizo
que Richard Hamilton se resituara constantemente en la batalla hasta, como quien dice, morir con las botas puestas.
Un ejemplo muy a mano lo tenemos en el Museo del Prado, donde hace poco hizo una exposición en
la que, en cierta manera, atravesó lo esencial del arte español enlazando Velázquez, Goya y Picasso con una reflexión sobre lo que había sido el desarrollo del arte moderno.
Tras dejar el colegio sin conseguir ningún título, entra a trabajar en una agencia publicitaria, mientras que acude a clases nocturnas en el St. Martin's School of Art y el Westminster Technical College.
Con dieciséis años entra en la Royal Academy of Art para estudiar pintura, donde permanecería dos años.
Entre 1941 y 1945 trabajó como delineante técnico, llevando a cabo su primera exposición en solitario en 1950, presentando una colección de aguafuertes.En los años cincuenta, su obra, influida por Cézanne, el cubismo, el futurismo y la cronofotografía,
se preocupa por el movimiento o la perspectiva.1952 sería un año clave en su trayectoria artística. Ese año empezó a impartir clases de tipografía y diseño industrial en la Escuela Central de Arte y Diseño de Londres.
Al tiempo fundó junto a Eduardo Paolozzi, Lawrence Alloway, Alison y Peter Smithson y Nigel Henderson el Independent Group en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres (ICA).
En 1956, se organizó una exposición para la Whitechapel Art Gallery, bajo el título This is Tomorrow.
Hamilton organizó la contribución del Independent Group a la muestra, en la cual presentaría su collage Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing?
(¿Pero qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos?),
el cual se convertiría en el manifiesto del arte pop británico, movimiento en el que interpretaría un papel esencial.
En esta obra aparecen multitud de elementos de la cultura de masas estadounidense: una chica de revista, un culturista, un televisor, un logotipo de Ford, una portada de historieta, una aspiradora,
un cartel de cine, un retrato de un antepasado centenario y un enorme chupa-chups (caramelo con palo) sostenido por el culturista como si fuese una raqueta de tenis, todo ello bajo el planeta Tierra a modo de techo.
Su obra se nutriría desde entonces de los motivos y elementos de la cultura popular y de masas.
También fue el diseñador de la cubierta del White Album (Álbum Blanco) de The Beatles, en 1968. Y 'El ciudadano'. Esta obra está inspirada en un documental de televisión de 1980
sobre la "protesta sucia" que protagonizaron los presos republicanos en la prisión de Maze, en Irlanda del Norte. Más de 400 reclusos se negaron a que sus ropas, llenas de excrementos, fueran lavadas, como protesta para que se les reconocieran como presos políticos.
La protesta duró cinco años. La pintura es una composición basada en diferentes fotogramas del documental.
Para Hamilton se trataba de "una extraña imagen de la dignidad humana en medio de la creación propia miseria".
En 2007 la ciudad de Fráncfort del Meno le otorgó el Premio Max Beckmann. Al año siguiente le fue concedido el Praemium Imperiale de Pintura. Ademas del El 'collage' que retrata la detención del cantante Mick Jagger en 1968
Con la muerte de Richard Hamilton en Londres desaparece uno de los últimos grandes del arte. Viejo compañero de ruta junto a Andy Warhol en las filas del 'pop art', su legado se resumirá en la retrospectiva en la que trabajó hasta poco antes de morir ((Descanse En Paz))
Andrew Warhola más conocido como Andy Warhol, fue un artista estadounidense nacido el 6 de agosto de 1928 y que falleció el 22 de febrero de 1987. Fue la figura más destacada del movimiento pop art.
Después de una exitosa carrera como ilustrador de revistas y de publicidad, Warhol se hizo famoso en todo el mundo por su trabajo como pintor y cineasta de vanguardia.
Como figura pública es recordado por haber estado vinculado a círculos sociales muy diversos, incluso antagónicos, como la bohemia neoyorquina, reconocidos intelectuales, celebridades de Hollywood o ricos aristócratas.
Fue un personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y documentales.
No en vano, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.
Warhol nació en Pittsburgh, Pennsylvania, hijo de inmigrantes eslovacos. Su padre, Andrej Varchola cambió su nombre por el de Andrew Warhola al llegar a Estados Unidos,
al igual que su madre, Ulja Justina Zavacka, quien adoptó el nom-bre de Julia Warhola.
Su padre trabajaba en la construcción y tanto él como su mujer practicaban la fe ortodoxa.
De niño, Andy padecía de escarlatina, una enfermedad que provoca una pigmentación anormal de la piel,
así como de el baile de San Vito, afección del sistema nervioso que causa movimientos involuntarios.
Probablemente estas dos enfermedades le llevaron a ser hipocondríaco desde muy joven, desarrollando
miedo a los hospitales y a los médicos. De pequeño se pasó largas temporadas postrado en la cama,
por lo que apenas se relacionaba con sus compañeros de clase, desarrollando un vínculo muy fuerte con su madre.
Sus mayores pasatiempos cuando estaba convaleciente eran pintar, escuchar la radio y coleccionar fotografías de actores y actrices famosos, con las que decoraba su habitación.
Más tarde, Warhol reconocería que ese periodo de su enfermedad fue muy importante en el desarrollo de su personalidad y de sus habilidades y preferencias artísticas.
Demostró tener un talento artístico desde muy joven y estudió Arte Comercial en el Carnegie Institute of Technology, ahora conocida como Carnegie Mellon University.
Después de graduarse en 1949, se mudó a Nueva York y comenzó una carrera exitosa como ilustrador tanto en revistas como Vogue y Harper's Bazaar, como en publicidad.
En 1956 ganó un premio por logros destacados de parte del MoMA, Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York
Durante los años 60 Warhol comenzaría a pintar cuadros de productos estadounidenses famosos
como sus célebres latas de sopa Campbell de 1962 y los dedicados a botellas de Coca-Cola.
También retrataría a personajes populares de la época como Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, Jacqueline Kennedy, o Troy Donahue.
En 1963 fundaría su famoso estudio The Factory, reuniendo alrededor suyo a un amplia gama de artistas,
músicos, escritores y personajes conocidos del underground neoyorquino.
Poco más tarde comenzaría a hacer serigrafías en serie, con lo que buscaba no sólo hacer arte que
reflejara productos fabricados en serie, si no producir en serie el arte mismo.
Con esto, Warhol pretendía actuar como una máquina, minimizando el rol de su propia idea creativa en la producción de su trabajo.
Fue así como revolucionó el mundo del arte y su trabajo se hizo tan popular como polémico.
Warhol nunca ocultó su homosexualidad, como se puede comprobar en "Los Diarios de Warhol", donde afirma haber tenido romances con varios hombres .
Entre ellos Danny Williams que desapareció una noche de 1966. Su auto fue encontrado a la orilla del mar pero nunca hubo un certificado de defunción porque jamás se encontró el cuerpo para declararlo muerto.
En los diarios de Warhol, Danny aparece citado como un electricista de La Fábrica, pero Williams fue mucho más que eso.
Fue el creador de la pionera puesta de luces estroboscópicas para los conciertos de The Velvet Underground. Warhol tenía la cualidad (o la astucia) de apropiarse de todo aquello que se gestaba en su estudio usándolo para su provecho personal.
El amor que Danny sentía por Warhol era muy fuerte pero Andy no lo podía amar de la misma forma.
Hay evidencias de que ellos tenían una relación sexual porque Warhol todo el tiempo grababa cintas
Sus ayudantes lo permitían, en parte movidos por la euforia creativa de los sesenta, y en parte porque se sentían un engranaje de esa gran maquinaria que era La Fabrica Warhol.
A Walk into the Sea…, que el año pasado fue galardonado con el Premio Teddy al mejor documental en el Festival de Cine de Berlín
Sin embargo, al comienzo de su carrera, insinúa haber tenido novias, incluyendo una conocida como "Taxi".
En 1965 conoce al grupo de música The Velvet Underground liderado por Lou Reed y en poco tiempo se vuelve manager del grupo,
añadiendo a su amiga, la cantante alemana, Nico. En 1967 sale al mercado el disco de los Velvet llamado The Velvet Underground and Nico:
Andy Warhol, que fue producido por este último. Ese mismo año, por diferencias con el resto del grupo, Nico se retira y los servicios de Warhol ya no son necesitados.
En 1968, una mujer, Valerie Solanas, que se describía como feminista radical y dramaturga, y a la cual Warhol había
prometido publicar su manuscrito, le dispara seis veces en el pecho y es herido gravemente.
Se requieren más de seis horas de cirugía para salvarle, y los efectos de este evento dejan a Warhol traumatizado por el resto de su vida. Al año se publica su revista InterView.
La década de los 70, y sobre todo la de los 80, suponen la consagración de Warhol como estrella del arte. Su estilo
inicialmente rompedor es asimilado por el circuito de galerías y por los círculos adinerados, a los que
satisface mediante retratos por encargo. Esta etapa es juzgada de manera dispar por la crítica actual.
En los años 70 hace retratos de sus amigos, clientes habituales de la discoteca Studio 54, entre ellos
Mick Jagger, Carolina Herrera, Liza Minnelli y Elizabeth Taylor. También empieza con su famosa serie "Marilyn" sobre la fallecida Marilyn Monroe.
Es también en esta época cuando es contratado por varios fabricantes de automóviles para pintar sus vehículos de compe-tición
de una manera que llamen la atención, entre ellos BMW.
Así se creó el art car. Dichos vehículos participaban sobre todo el las famosas 24 Heures du Mans.
Son famosas sus "cápsulas del tiempo" en donde guardaba (desde el año 1974) cosas cotidianas en cajas de cartón, como expone en "Philosophy of Andy Warhol",
su primer libro. En 1979 exhibe, de manera importante, en el Whitney Museum de Nueva York, su serie de retratos "Portraits of the Seventies" (Retratos de los Setenta.)
En 1981 empieza a pintar detalles de cuadros de artistas renacentistas como Da Vinci, Botticelli y Uccello.
En 1983 hace el retrato del cantante español Miguel Bosé para la portada del disco "Made In Spain", también utilizada para el disco "Milano-Madrid" de este mismo artista.
Según las malas lenguas, la compañía discográfica de Bosé pagó una fortuna por la colaboración de Warhol, quien hasta entonces apenas conocía al cantante.
Luego le mencionaría en algún libro como "hijo de un torero español". Warhol también apareció en su videoclip "Ángeles Caídos". Ese año visita Madrid, donde es recibido con entusiasmo por Almodóvar, Fabio McNamara y otras personalidades de la cultura y la vida social madrileña.
A pesar de todo, la exposición que presentó en la ciudad se saldó con poquísimas ventas.
En esa época, Warhol produce abundantes retratos de celebridades y magnates, no sólo amistades o gente de su círculo, sino también diseñadores, empresarios y demás gente adinerada, que por grandes sumas posan para Warhol.
Entre ellos, el modisto Valentino. Según él mismo contó, en una ocasión viajó a Europa para tomar polaroids de empresarios alemanes, y basándose en tales fotografías elaboraba los retratos.
En 1986 pinta lo que serán sus últimas obras, autorretratos y retratos de Lenin y Mao Tse Tung.
y el Che
Muere el 22 de febrero de 1987, a los 58 años. Tras un ataque repentino al corazón, una post-cirugía mal cuidada y exceso de líquidos por intoxicación de agua le provocaron la muerte.
Warhol había acumulado tantas pertenencias que fueron necesarios nueve días para que la casa de subastas Sotheby's las subastase por un total que excedió los 100 millones de euros.
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En 1963 Andy Warhol se compró una cámara de 16 mm y el cine dejó de ser lo que era. Rodó Kiss y Sleep, un largo beso y seis horas del sueño
Sleep (1963) Es una película de Andy Warhol, que consiste en un plano secuencia de John Giorno, amigo intimo durante la epoca , durante su sueño dee cinco horas y veinte minutos.
Esta película fue una de las primeras experiencias en el muno del cine detras de la cámara , fue creado especialmente para ser un "anti-película".
Más tarde, Andy Warhol aumentaría su técnica de películas rodadas secuencia de ocho horas de película, como se ve en el Imperio.
El estreno de esta película tuvo lugar el 17 de enero de 1964. Fue presentado a la Cooperativa de Cineastas "de Jonas Mekas, un amigo cercano de Andy Warhol.
Debido a la monotonía de la película, simplemente muestra a un hombre para el descanso de más de cinco horas, y debido también a su duración, La duración de alguna de sus películas llegó a ser superior a las 24 horas: la gente salía y entraba, comía, dormía y sobre todo, parloteaba en el hall o ligaba en los urinarios
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Kiss (1963) .Pelicula realizada y filmada por Andy Warhol en 16 mm, blanco y negro, secuencias tomadas con una cámara Bolex)., aunque no es su primera película, tiene la condición de "escena primaria"
se puede ver claramente la calidad schermiche exactamente: la forma en que cada par tiene una iluminación sutil y el resplandor de las luces y sombras en la cara ,
y la relación ambigua entre los márgenes del marco - una pequeña ventana y un pequeño marco - y un mínimo movimiento de las personas filmadas
Bansky es el pseudónimo de un prolífico artista del graffiti británico. Se cree que nació en Yate,
localidad cercana a Bristol, en 1974, pero los datos acerca de su identidad son inciertos y se desconocen detalles de su biografía.
Según Tristan Manco, Banksy "nació en 1974 y creció en Bristol, Inglaterra. Hijo de un técnico de fotocopiadoras,
entrenó como un carnicero pero se vio implicado en el graffiti durante el boom del aerosol en Bristol de finales de los 1980s.
Su trabajo, en su gran mayoría piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, combina
escritura con graffiti con el uso de estarcidos con plantilla (conocidos generalmente como stencils, del inglés).
Su arte urbano combina escritura con una técnica de estarcido muy distintiva, similar a Blek le Rat, quien empezó a trabajar con estarcidos en 1981 en París; y miembros de la banda de anarco-punk Crass,
que mantuvieron una campaña en las instalaciones del metro de Londres a finales de los 1970s e inicios de los 1980.
Banksy reconoció la influencia de Blek diciendo "cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original,
me doy cuenta de que Blek le Rat lo hizo mejor, sólo que veinte años antes."
Sus obras se han hecho populares al ser visibles en varias ciudades del mundo, especialmente en Londres
Banksy oculta su identidad real a la prensa general. Muchos periódicos han apuntado que su nombre podría ser Robert Banks o Robin Banks,
pero este rumor podría haberse originado a partir de una broma por la similitud fonética entre el nombre "Robin Banks" y "robbing banks" ("robando bancos" en inglés).
Simon Hattenstone, de Guardian Unlimited, una de las pocas personas en entrevistarlo cara a cara, lo describe como "una mezcla entre Jimmy Nail y el rapero inglés Mike Skinner" y "un varón
de 28 años que se presentó en un par de jeans y una camiseta con un diente de plata, una cadena de plata y un arete de plata".
Generalmente se cree que es un varón blanco, de pelo rubio, alto, que viste ropa típica del grafitero y que tiene entre 28 y 35 años.
Recientemente fue capturado por el objetivo de un telefono móvil trabajando en una de sus obras en Bristol, Inglaterra.
Comenzó su obra en las calles de Bristol, su ciudad natal, entre 1992 y 1994. En el año 2000 organizó una exposición
en Londres y después de esto ha plasmado sus pintadas en ciudades de todo el mundo.
Banksy utiliza su arte urbano callejero para promover visiones distintas a las de los grandes medios de comu-nicación.
Esta intención política detrás de su llamado "daño criminal" puede estar influida por los Ad Jammers (movimiento que deformaba imágenes de anuncios publicitarios para cambiar el mensaje).
Banksy también trabaja cobrando para organizaciones benéficas como Greenpeace y para empresas como Puma y MTV, y vende cuadros hasta por 25.000 libras en circuitos comerciales o en la galería de su agente, Steve Lazarides.
Un juego de obras de Banksy se vendió en la casa de subastas Sotheby's por 50.400 libras. Esto le ha llevado a ser acusado de vendido por otros artistas y activistas. Al ser anónima su identidad todas estas acusaciones quedarían sin efecto.
Hay varios temas que se repiten en la obra de Banksy: ratas, oportunidades de foto (lugares típicos donde los turistas desearían hacer una foto sin pintadas), soldados orinando, policías, etc.
En agosto de 2005, Banksy ha realizado murales sobre el Muro de Cisjordania, construido por Israel en los territorios ocupados de Cisjordania (concretamente en Belén, Ramala y Abu Dis), combinando varias técnicas.
En 2004 el colectivo de anarquitectos Space Hijackers repartió octavillas frente a una exposición de Banksy
para resaltar el irónico uso que el artista hace del imaginario anticapitalista y de protesta, mientras trabaja para grandes empresas y galerías de arte.
Peter Gibson, portavoz de la campaña Keep Britain tidy, considera que su obra, como la de otros grafiteros es mero vandalismo.
Diane Shakespeare, oficial de la misma organización, manifestó: "Nos preocupa que Banksy glorifica el arte de la calle, lo que es esencialmente vandalismo".
Luis Jaume, experto en arte, considera que el apropiacionismo de Banksy es conceptualmente vago, dirigido a un público no especializado ni crítico y que la ironía no lo convierte en artista.
También ha comparado a Banksy con Jeff Koons y Damien Hirst, como los principales empresarios y expertos en marketing del arte.
También se critica que plasme mensajes anti-sistema en barrios y edificios cuyos habitantes no los comparten.
Banksy también es conocido por haberse introducido disfra-zado, en famosos museos de todo el mundo, para colgar algunas de sus obras de manera clandestina.
Exit Through the Gift Shop .Mucho más que una película sobre el mundo del grafitti, aborda una interesante reflexión sobre el mercantilismo del arte en nuestros días.
Banksy se autodefine como un “vándalo profesional”. Hace arte para los pobres poniéndolo al alcance
de todos en las calles a lo largo y ancho del mundo (Disneylandia, Nueva Orleans, muro de Cisjordania…).
Desde que salió a la luz que famosos como Brad Pitt o Angelina Jolie habían comprado algunas de sus obras, su obra se ha revalorizado mucho, y ahora se vende por decenas de miles de euros en galerías y casas de subastas.
La obsesión de Banksy por ocultar su identidad real hace que aquí le veamos entre sombras, con capucha y con la voz distorsionada.
Película imprescindible para conocer un poco más la obra de este genio del grafitti y del stencil con plantilla que
ha conseguido que algunas de sus obras hayan sido expuestas en lugares como el MOMA o la Tate Modern Gallery colgándolas él mismo de forma clandestina.
Vincent Van Gogh pintor impresionista, que nació el 30 de marzo de 1853. Su obra tuvo una gran influencia sobre todo el arte en el siglo 20.
A pesar de que sólo vendió un cuadro mientras estaba vivo, logró la fama y el nombre de unos pocos años después de su muerte.
Hoy en día, Van Gogh y su obra de arte se consideran base del arte moderno.
Van Gogh en realidad comenzó a pintar en sus treinta años. En la edad adulta temprana, trabajó para una empresa que trata con el arte en La Haya, Londres y París.
Después de salir de este trabajo, él se trasladó a Inglaterra, donde trabajó como profesor. Van Gogh no pensaba que iba a ser un pintor.
Fue llamado para serpastor y que quería pasar tiempo de la predicación del evangelio. Él, de hecho, trabajó como predicador en una ciudad minera situada en Bélgica.
Fue durante esta época que empezó a dibujar. En 1885, pintó su primera gran obra de arte titulada Los comedores de patatas. Usó colores tierra y no se sabe que el uso de colores vibrantes que se ven en su obra posterior.
Luego se trasladó a París, marzo 1886, donde conoció a los pintores impresionistas franceses. A continuación, los tonos y matices de su pintura se convirtió en colorido.
También comenzó a desarrollar su propio estilo de pintura que plenamente su cenit en 1888, mientras se hospedaba en Arles.
En los últimos diez años de su vida, Van Gogh pintó más de 2.000 obras de arte,
compuesta por 900 cuadros y 1.100 dibujos y el dibujo. Su obra de arte más populares se crearon en los dos últimos años de su vida.
Algunas de sus obras más populares son Starry Night, girasoles, lirios y Los comedores de patatas.
Su pintura, El viñedo rojo se vendió por 400 francos en Bruselas unos meses antes de su muerte. Sus otras pinturas populares incluyen Noche estrellada sobre el Ródano, y La terraza del café en la Place du Forum, Arles, en la noche.
Gauguin fue el que impulsó a Van Gogh para que pintase lugares históricos de Arles y así trabajaron juntos y pintaron la serie de vistas de Alyscamps.
Escogieron diferentes motivos, Gauguin pintó un paisaje con un encanto pintoresco y más bien refinado, mientras que Van Gogh escogió un paseo enmarcado por altos álamos que tenían un color amarillo puro que contrastaba con el verde-azul del cielo, en cambio el color empleado por Gauguin era mucho más tímido. Se pintaron mutuamente, Gauguin pintó de perfil a Van Gogh y éste pintó a Gauguin de espaldas
Con el paso de las semanas, la convivencia de los dos artistas fue empeorando, debido a sus diferencias personales, acentuadas por el carácter muy temperamental de ambos.
Pasados menos de dos meses, en la tarde del 23 de diciembre de 1888, Van Gogh y Gauguin tuvieron un altercado que dio origen a una de las explicaciones que se han dado acerca de la pérdida de la oreja derecha del primero, o de parte de ella.
Esta versión indica que Van Gogh amenazó a Gauguin con una navaja y que, como consecuencia del disgusto, por la noche se mutiló el lóbulo de la oreja izquierda (no, por tanto, la oreja completa).
A continuación, Van Gogh habría envuelto el lóbulo en un paño y se habría dirigido a su burdel favorito, donde presentó este «regalo» a una prostituta llamada Rachel.
Posteriormente, habría regresado a la «casa amarilla» de Arles, donde se desmayaría. Descubierto por la policía, fue enviado al hospital Hôtel-Dieu, en Arles mismo.
Se avisó a Theo, y Vincent quedó ingresado durante catorce días. Gauguin dejó Arles con rumbo a París y no volvió a tener contacto con Vincent, exceptuando algunas cartas posteriores
Durante los últimos treinta meses de vida llegó a realizar 500 obras y en sus últimos 69 días firmó hasta 79 cuadros. Sin embargo, su depresión empeoró y el 27 de julio de 1890, a la edad de treinta y siete años, mientras paseaba por el campo, con un revólver se disparó un tiro en el pecho. No se dio cuenta de que su herida era mortal y volvió a la pensión Ravoux, donde murió en su cama dos días después, en brazos de su hermano Theo.
"Yo arriesgué mi vida por mi trabajo, y mi razón siempre fue menoscabada": éstas son las palabras de Vincent en su última carta, encontrada en su bolsillo el 29 de julio de 1890. Vincent fue enterrado en el cementerio de Auvers-sur-Oise.
Theo había contraído la sífilis, aunque esto no fue admitido por la familia durante muchos años, y solo después de la muerte de Vincent ingresó en un hospital. No pudo soportar el dolor de la ausencia de su hermano y murió seis meses más tarde, el 25 de enero, en Utrecht.
En 1914 el cuerpo de Theo fue exhumado y enterrado al lado de Vincent.
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Weaver, Seen from the Front (1884)
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The Potato Eaters (1885).
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Self-Portrait with Grey Felt Hat (1886).
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The Seine Bridge at Asnieres (1887).
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Agostina Segatori Sitting in the Café du Tabourin (1887).
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Still Life with Decanter and Lemons on a Plate (1887)
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Bedroom in Arles (1888).
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A Pair of Shoes (1888).
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The Caravans, Gypsy Camp near Arles (1888).
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The Night Cafe (1888).
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Starry Night Over the Rhone (1888).
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The Café Terrace on the Place du Forum, Arles, at Night (1888).
Henri Émile Benoît Matisse (31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de 1954) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo.
Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas del siglo XX.
Al inicio de su carrera se le identificó con el fauvismo y para los años 20s ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo,
la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras centrales del arte moderno.
1869 - Nace en Le Cateau-Cambrésis, norte de Francia, el 31 de diciembre.
1888 - Termina la enseñanza media, estudia Derecho en la universidad de París.
1890 - Confinado al lecho por una enfermedad intestinal, empieza a pintar.
1891 - Deja la carrera de Derecho y se matricula en la Académie Julien, donde estudia con Bouguereau.
1892 - Entra en el estudio de Gustave Moreau en la Escuela de Bellas Artes. Acude a las clases de la Escuela de Artes Decorativas y se hace amigo de Marquet.
1894 - Tiene a su hija Marguerite con Amélie Parayre, con quien se casará cuatro años después.
1896 - Expone cuatro cuadros en la Exposición de la Societé Nationale: el Estado compra Mujer leyendo para el castillo de Rambouillet.
1899 - Deja la Escuela de Bellas Artes y frecuenta el estudio de Carrière, donde conoce a Derain. Se interesa por la escultura, gracias a Rodin. Compra Las tres bañistas de Cézanne, Cabeza de niño de Gauguin y un yeso de Rodin. Nace su hijo Jean.
1900 - Nace su último hijo, Pierre.
1901 - Expone en el Salón de los Independientes. Conoce a Maurice de Vlaminck en retrospectiva de Van Gogh.
1903 - Se abre el Salón de Otoño, en el que participa Matisse.
1904 - Primera exposición individual en la galería de Ambroise Vollard. Pinta Luxe, calme et volupté, que luego compra Signac.
1905 - Expone en el Salón de Otoño los nuevos lienzos que harán identificar a Matisse y a sus compañeros como fauves.
1906 - Expone en el Salón de Otoño con el grupo de los Fauves. Primer viaje a Argelia, donde le impresiona la artesanía local.
1907 - En el Salón de Gertrude Stein conoce a Picasso. Hace un viaje de estudios a Italia.
1908 - Se organiza su primera individual en Nueva York, en la galería 219, de Alfred Stieglitz.
1910 - Individual en la galería Bernheim-Jeune de París. Viaje a España; visita el Museo del Prado y en Sevilla se reúne con Francisco Iturrino.
1911 - Va a Moscú a entregar al coleccionista Schukin sus cuadros La Danza y La Música.
1913 - Participa con muchas obras en el Armony Show de Nueva York y en la Secesión de Berlín.
1914 - Exento de los deberes militares, al estallar la guerra escapa con su familia a Collioure.
1916 - Pasa su primer invierno en Niza, instaurando una costumbre duradera.
1954 - El 3 de noviembre fallece en su apartamento de Niza.
